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MX JUSTIN VIVIAN BOND CELEBRATES AT LE POISSON ROUGE 20 YEARS IN NEW YORK: HAPPY TRANNIVERSARY!

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Mx Justin Vivian Bond, photo courtesy Justin Vivian Bond

Mx Justin Vivian Bond, photo courtesy of Justin Vivian Bond

The brilliant and iconic artist Justin Vivian Bond – writer, singer, painter, performer artist and actor who wrote “TANGO: My Childhood, Backwards and in High Heels” (Feminist Press Editions), awarded with the Lambda Literary Prize and “Susie Says”, a collaboration with Gina Garan (Powerhouse books), released V’s debut CD “Dendrophile”” in 2011 and “Silver Wells” in 2012, featured in the exhibition “The Fall of the House of Whimsy” at the New York Partecipant Inc. as well as on the stage in many productions like the one with The Big Art Group and appeared in John Cameron Mitchell’s film “Shortbus” – will feature on 10th June 2014 in New York at Le Poisson Rouge along with other artists to celebrate 20 years in New York. A not to be missed happening to enjoy a vibrant artist.

 

MX JUSTIN VIVIAN BOND CELEBRA A LE POISSON ROUGE 20 ANNI A NEW YORK: FELICE TRANSANNIVERSARIO!

Justin Vivian Bond

Justin Vivian Bond

Il brillante e iconico artista Justin Vivian Bond – scrittore, cantante, pittore, performer artist e attore che ha scritto “TANGO: My Childhood, Backwards and in High Heels” (Feminist Press Editions), insignito del Premio Letterario Lambda e “Susie Says”, una collaborazione con Gina Garan (Powerhouse books), ha pubblicato il suo CD di debutto “Dendrophile”” nel 2011 e “Silver Wells” nel 2012, è stato protagonista della mostra “The Fall of the House of Whimsy” presso la Partecipant Inc. di New York come anche sul palcoscenico in molteplici produzioni quali quella con The Big Art Group ed è apparso nella pellicola di John Cameron Mitchell “Shortbus” – sarà protagonista il 10 giugno 2014 a New York presso Le Poisson Rouge unitamente ad altri artisti per celebrare 20 anni a New York. Un evento imperdibile per apprezzare una vibrante artista.

 

www.justinbond.com

 


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THE ART, ELEGANCE & IRONY OF RAJA SCHWAHN-REICHMANN

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

Baroque suggestions, a magic world featuring angels, fauns, satyrs and nymphs, devils and courtesans. All that is embodied in the work and life of Raja Schwahn-Reichmann, bright restorer, painter, sculptor and collector of antique costumes. The Viennese artist, awarded in 2009 for her work and her picturesque life with the Italian art Mantegna Prize, has successfully made concrete the Nietzschean imperative, making her life an artwork. Visiting the Milanese house of my dear friend Stephan Hamel, I recently ran into the marvelous decorative works she made and I had the chance to see and appreciate the transformations of di Raja, caught on photo. Elegance, irony, provocation, art and a detailed reconstruction and reinterpretation of atmospheres and ages is what shines in the work by this artist of whose name since many years is strictly connected to the Life Ball – charity event which is held in Vienna at the Rathausplatz, joins art, fashion and supports the fight against HIV – where Raja curates its set design. The works she made for 2014 Life Ball edition of whose theme is “the garden of delights giardino” will be seen tonight also via streaming by the Austrian TV channel OrftvThek which will broadcast the event featuring Conchita Wurst, Ricky Martin and for the first time a menswear fashion show, curated by L’ Uomo Vogue which will include celebrated names of fashion scene as Givenchy, Viktor & Rolf, Lanvin, Jean Paul Gaultier, Vivienne Westwood, Etro and Dsquared2. A not to be missed happening to enjoy art and fashion and the genius of Raja Schwahn-Reichmann.

L’ ARTE, ELEGANZA & IRONIA DI RAJA SCHWAHN-REICHMANN

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

Suggestioni barocche, un magico mondo di angeli, fauni, satiri e ninfe, diavoli e cortigiane. Tutto ciò è racchiuso nell’ opera e nella vita di Raja Schwahn-Reichmann, brillante restauratrice, pittrice, illustratrice, scultrice e collezionista di costumi d’ epoca. L’ artista viennese, insignita nel 2009 per il suo lavoro e la sua pittoresca vita del Premio di arte italiana Mantegna, ha felicemente concretizzato l’ imperativo nietzschiano, rendendo la sua vita un’ opera d’ arte. Visitando la dimora milanese del mio caro amico Stephan Hamel, recentemente mi sono imbattuta nelle sue meravigliose opere decorative e ho anche avuto modo di osservare e ammirare le trasformazioni di Raja, immortalate su fotografia. Eleganza, ironia, provocazione, arte e una minuziosa ricostruzione e reinterpretazione di atmosfere ed epoche è ciò che splende nell’ opera di questa artista il cui nome è da anni strettamente legato al Life Ball – evento di beneficienza che si tiene a Vienna presso la Rathausplatz, unisce arte, moda e supporta la lotta contro l’ HIV – di cui Raja cura le scenografie. I suoi lavori per l’ edizione 2014 del Life Ball, il cui tema è “il giardino dei piaceri”, saranno visibili stasera anche via streaming per il tramite della rete televisiva austriaca OrftvThek  che trasmetterà l’ evento di cui saranno protagonisti Conchita Wurst, Ricky Martin e per la prima volta una sfilata di abbigliamento uomo, curata da L’ Uomo Vogue che includerà celebri nomi della moda quali Givenchy, Viktor & Rolf, Lanvin, Jean Paul Gaultier, Vivienne Westwood, Etro e Dsquared2. Un evento imperdibile per apprezzare arte e moda e il genio di Raja Schwahn-Reichmann.

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

A detail of work by Raja Schwahn-Reichmann

A detail of work by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The decorative works by Raja Schwahn-Reichmann at the Stephan Hamel's house

The decorative works by Raja Schwahn-Reichmann at the Stephan Hamel’s house

 

An afternoon Epicurean interlude at Stephan Hamel's house, featuring Enrico Quinto and Stephan, framed by the decorative work made by Raja Schwahn-Reichmann

An afternoon Epicurean interlude at Stephan Hamel’s house, featuring Enrico Quinto and Stephan, framed by the decorative work made by Raja Schwahn-Reichmann

 

Enrico Quinto and me at the Stephan Hamel's house, framed by a furniture I love, the screen by Raja Schwahn-Reichmann

Enrico Quinto and me at the Stephan Hamel’s house, framed by a furniture I love, the screen by Raja Schwahn-Reichmann

 

 

http://schwahnreichmann.wordpress.com


Filed under: artists, books & zines, cross fashion, events, fashion designers, illustrators, music

THE DIORAMA OF GLAMOUR BY VIVETTA

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Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Glamourama”, the Spring/Summer 2015 collection by Vivetta, brand created by the bright fashion designer Vivetta Ponti, has presented during the Milan Fashion Week in the suggestive rooms of Fioraio Bianchi, renowned Milan restaurant and coffee bar. It is a diorama of new contemporary glamour, successful reinterpretation of the visions impressed in “Natural Stories”, book by Jules Renard, illustrated by Luigi Serafini, the botany teaching tables from early 900’s, the art by Pablo Picasso and tapestry from the 60’s. Creations revisiting the silhouette from 50’s, 60’s and 70’s under the sign of fluidity and sartorialism. Lines are soft and pulled over, short, long and oversize. An alchemy embodied in the cloths, made of precious details and colored prints. Dresses, trench, shirts and bomber jackets, enriched by enchanting embroideries, talk about fine craftsmanship. Tradition joins to experimentation featuring canvas, mixed to jersey, brocade, leather, poplin, the softness of cotton, viscose knitwear and refined creased evanescence of “cloud” organza. A playful atmosphere emphasized by the palette of colors – including red, azure, pink, orange, green, light blue, white, black, silver – and the prints featuring polka dots, appearing in dresses and shirts, hats (resulting from a collaboration with the genius milliner Francesco Ballestrazzi) and are combined to hand-shaped collars and dresses depicting the shapes of female faces. A colored and fun portrait of femininity where it shines a refined research in terms of design, high-end materials and irony becomes weight subtraction, a lecture arising from Italo Calvino which moves from literature realm and finds a new context in fashion.

IL DIORAMA DEL GLAMOUR DI VIVETTA

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Glamourama”, la collezione primavera/estate 2015 di Vivetta, brand creato dalla brillante fashion designer Vivetta Ponti, è stato presentato durante la settimana della moda milanese presso le suggestive stanze del Fioraio Bianchi, rinomato ristorante di Milano. Un diorama del nuovo glamour contemporaneo, felice reinterpretazione delle visioni impresse nelle “Storie Naturali”, libro di Jules Renard, illustrato da Luigi Serafini, delle tavole di botanica dei primi ‘900, dell’ arte di Pablo Picasso e delle tappezzerie degli anni ‘60. Creazioni che rivisitano la silhouette degli anni ‘50, ‘60 e ’70 all’ insegna di fluidità e sartorialità. Le linee sono morbide e accostate, corte, lunghe e oversize. Un’ alchimia racchiusa nei tessuti, fatta di dettagli preziosi e stampe colorate. Abiti, trench, camicie e bomber, arricchiti da incantevoli ricami, parlano di fine artigianalità. La tradizione si unisce alla sperimentazione di cui è protagonista il canvas, mixato alla maglina, il broccato, la pelle, il popeline, la morbidezza del jersey, della maglieria di cotone, viscosa e la raffinata, stropicciata evanescenza dell’ organza “nuvola”. Un’ atmosfera ludica, enfatizzata dalla palette di colori – che include rosso, azzurro, rossa, arancio, verde, celeste, bianco, nero, argento – e le stampe con i pois che appaiono negli abiti e nelle camicie, nei cappelli (risultato di una collaborazione con il geniale designer di cappelli Francesco Ballestrazzi) e sono abbinati a colletti a forma di mani ed abiti che ritraggono le sagome di volti femminili. Un divertente e colorato ritratto della femminilità in cui splende una raffinata ricerca in termino di design e l’ ironia diventa sottrazione di peso, una lezione di Italo Calvino che si sposta dall’ ambito della letteratura e trova un nuovo contesto nella moda.

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

Vivetta Spring/Summer 2015, photo by N

 Elisa Nalin, photo by N

Elisa Nalin, photo by N

Margherita Ranocchia, Vivetta's mother, photo by N

Margherita Ranocchia, Vivetta’s mother, photo by N

Francesco Ballestrazzi, photo by N

Francesco Ballestrazzi, photo by N

Vivetta, photo by N

Vivetta, photo by N

http://www.vivetta.it


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FASHION IN THE ATELIER: THE EXHIBITION “BELLISSIMA. THE ITALY OF HIGH FASHION 1945-1968” AT THE ROME MAXXI MUSEUM

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Anna Magnani, still image from the movie "Bellissima" by Luchino Visconti

Anna Magnani, still image from the movie “Bellissima” by Luchino Visconti, 1951, courtesy National Film Library – Film Experimental Centre

Fashion dialogues with art, telling about the fashion in the atelier and the Italian fashion history, the haute couture from its rise to the late Sixties. That is the core of “Bellissima. The Italy of high fashion 1945-1968”, exhibition curated by Maria Luisa Frisa, Stefano Tonchi and Anna Mattirolo, organized in collaboration with Altaroma and in main partnership with Bulgari which will be opened on 30th November 2014  at 7:30 pm and will be held from 2nd December 2014 to 3rd May 2015 in Rome at the MAXXI Museum. The exhibition talks about high fashion, Italy and its creative synergies, by using photography and art, giving rise to an open dialogue between different disciplines.

A model at the Rome Capitol Museums, behind the Constantine monument,  wearing a dress by Fontana Sisters (1952), photo by Regina Relang (courtesy of Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie, Archiv Relang)

A model at the Rome Capitol Museums, behind the Constantine monument, wearing a dress by Fontana Sisters, 1952, photo Regina Relang (courtesy of Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie, Archiv Relang)

Fendi Fall/Winter 1967-1968

Fendi Fall/Winter 1967-1968

Original sketch by Karl Lagerfeld, Fall/Winter 1967-1968, photo   © Pierluigi Praturlon/Reporters Associati & Archivi

Original sketch by Karl Lagerfeld, Fall/Winter 1967-1968, photo © Pierluigi Praturlon/Reporters Associati & Archivi

The photography by Pasquale De Antonis, Federico Garolla, Ugo Mulas catchs the most important moments of this tale and the artworks by Lucio Fontana, Alberto Burri, Paolo Scheggi, Massimo Campigli, Getulio Alviani, Carla Accardi and Giuseppe Capogrossi – coming from the National Gallery of Modern Art – evidence the vital creativity which marked Italy and an age. The creations by couturiers as Germana Marucelli emphasizes the connection existing between art and fashion. It’s a detailed display of fashion, featuring the garnments by Maria Antonelli, Renato Balestra, Biki, Carosa, Roberto Capucci, Gigliola Curiel, Fendi, FontanaSorelle Sisters(as the “Pretino” dress they created in 1955 for Ava Gardner), Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni, Mingolini-Guggenheim, Fausto Sarli, Mila Schön, Emilio Schuberth, Simonetta and Fabiani, Valentino, Jole Veneziani along with the accessories by Ferragamo, Fragiacomo, Gucci, Roberta di Camerino, jewelry by Bulgari – including the iconic creations “Snakes”- and fashion jewelry by Coppola and Toppo.

Model of Sorelle Botti, photo Pasquale De Antonis, 1947

Dress by Botti Sisters, photo Pasquale De Antonis, 1947

Two models wearing dresses by Valentino walking  in steps of Central State Archive, photo Federico Garolla, Rome, 1958

Two models wearing dresses by Valentino walking in steps of Central State Archive, photo Federico Garolla, Rome, 1958

Ugo Mulas, Lungo i Navigli, 1958 photo Ugo Mulas © Eredi Ugo Mulas,  courtesy Ugo Mulas Archive, Milao – Lia Rumma Gallery, Milan/Neaples

Ugo Mulas, Lungo i Navigli, 1958,
photo Ugo Mulas © Eredi Ugo Mulas, courtesy Ugo Mulas Archive, Milao – Lia Rumma Gallery, Milan/Neaples

The tale of exhibition is embodied in a marvelous catalogue (Electa, € 55.00) opening with a photograph by Garolla, combined with the words by Maria Luisa Frisa revealing what is the core of exhibition, the portrait of couturier and its role, being not just only “a creator, but an individual who observes the society where he lives, questions its many moods, …kneaded by the energy of his time” or bringer and interpret of “Volksgeist”, “The Spirit of people”, in a certain place and time.

Ivy Nicholson wearing a dress by Gattinoni at the Imperial Fora, photo Federico Garolla, Rome, 1954

Ivy Nicholson wearing a dress by Gattinoni at the Imperial Fora, photo Federico Garolla, Rome, 1954

 Giovannelli-Sciarra, photo Fortunato Scrimali published in the magazine Bellezza, n. 9, September 1953

Giovannelli-Sciarra, photo Fortunato Scrimali
ft. in the magazine “Bellezza”, n. 9, September 1953

 Ava Gardner wearing the  “Pretino"  dress, (created for her by the Sorelle Fontana  for a film the actress had to play but the film was never made. The  cassock apparel's idea was later taken over by director Federico Fellini for Anita Ekberg in "La Dolce Vita", 1960), 1955, photo Pierluigi Praturlon, courtesy of Historical Archive  Micol Fontana Foundation, Rome

Ava Gardner wearing the “Pretino” dress, (created for her by the Fontana Sisters for a film the actress had to play but the film was never made. The cassock apparel’s idea was later taken over by Federico Fellini for Anita Ekberg in  the movie “La Dolce Vita”, 1960), 1955, photo Pierluigi Praturlon,
courtesy Archive of Micol Fontana Foundation, Rome

Anita Ekberge ft. in "La dolce vita" by Federico Fellini, 1960, photo Pierluigi Praturlon, courtesy Archivio Fotografico della Cineteca Nazionale - Centro Sperimentale di Cinematografia. Fondo Reporters Associati

Anita Ekberg ft. in “La dolce vita” by Federico Fellini, 1960, photo Pierluigi Praturlon, courtesy  Photo Archive of National Film Library – Experimental Film Centre. Fondo Reporters Associati

Bulgari, snake bracelet watch gold, red and green enamel and diamonds, ca1965

Bulgari, snake bracelet watch gold, red and green enamel and diamonds, 1965

Salvatore Ferragamo, Damigella ankle boots (created for Sofia Loren), 1957, photo Christofer Broadbent

Salvatore Ferragamo, Damigella ankle boots (created for Sofia Loren), 1957, photo Christofer Broadbent

Bulgari, Tubogas gold bracelet-watch, ca 1965

Bulgari, Tubogas gold bracelet-watch, 1965

The binomial between art and fashion will be also enriched by VB74, the performance created by Vanessa Beecroft exclusively for the exhibition which will be held during its opening. That makes “Bellissima” a not to be missed event and precious, as it dignifies fashion as source of culture and art, bringing again it in the place where it has to be: the museum. I tell that, thinking that can be a first step towards the path giving rise to a Fashion Museum in Italy or – considering also what it happens in other museums as the New York MET Museum the London Victoria & Albert Museum – of specific areas focused on fashion being into a museum.

LA MODA NELL’ ATELIER: LA MOSTRA “BELLISSIMA. L’ ITALIA DELL’ ALTA MODA 1945-1968” AL MUSEO MAXXI DI ROMA

Still image from the movie "The Barefoot Countess" by  Joseph L. Mankiewicz, 1954, photo Osvaldo Civirani, courtesy Archivio Fotografico della Cineteca Nazionale - Centro Sperimentale di Cinematografia. Fondo Civirani

Still image from the movie “The Barefoot Countess” by Joseph L. Mankiewicz, 1954,
photo Osvaldo Civirani, courtesy Photo Archive from the National Film Library – Film Experimental Centre. Fondo Civirani

La moda dialoga con l’ arte, raccontando la moda nell’ atelier, la storia della moda italiana e l’ alta moda dalla sua nascita alla fine degli anni Sessanta. Questo è il cuore di “Bellissima. L’ Italia dell’ alta moda 1945-1968”, mostra curata da Maria Luisa Frisa, Stefano Tonchi ed Anna Mattirolo, organizzata in collaborazione con Altaroma e in main partnership con Bulgari che sarà inaugurata il 30 novembre 2014 alle ore 19.30 e si terrà dal 2 dicembre 2014 al 3 maggio 2015 al Museo MAXXI di Roma. Il percorso espositivo della mostra parla dell’ alta moda, dell’ Italia e delle sue sinergie creative avvalendosi della fotografia e dell’ arte, dando vita un dialogo aperto tra diverse discipline.

Creations by De Gasperi Zezza, Fernanda Gattinoni and Sorelle Fontana - Fontana Sisters -, photo Pasquale De Antonis, 1948,  published in the magazine I Tessili Nuovi. Estate, n. 37, July – August - September 1948

Creations by De Gasperi Zezza, Fernanda Gattinoni and Fontana Sisters,
photo Pasquale De Antonis, 1948,
ft. in the magazine I Tessili Nuovi. Summer, n. 37, July – August – September 1948

Fendi, vison, mink coat, 1960. photo © Pierluigi Praturlon/Reporters Associati & Archivi

Fendi, mink coat, 1960. photo © Pierluigi Praturlon/Reporters Associati & Archivi

Fendi, mink coat, 1960

Fendi, mink coat, 1960

La fotografia di Pasquale De Antonis, Federico Garolla, Ugo Mulas cattura i momenti più salienti di questo intenso racconto e le opere di Lucio Fontana, Alberto Burri, Paolo Scheggi, Massimo Campigli, Getulio Alviani, Carla Accardi e Giuseppe Capogrossi – provenienti dalla Galleria Nazionale di Arte Moderna – testimoniano la vitale creatività che ha segnato un’ epoca e l’ Italia. Le creazioni di couturiers quali Germana Marucelli enfatizzano il legame tra arte e moda. Una dettagliata rassegna di moda di cui sono protagonisti i capi di Maria Antonelli, Renato Balestra, Biki, Carosa, Roberto Capucci, Gigliola Curiel, Fendi, Sorelle Fontana (come l’ abito “Pretino” da loro creato nel 1955 per Ava Gardner), Irene Galitzine, Fernanda Gattinoni, Mingolini-Guggenheim, Fausto Sarli, Mila Schön, Emilio Schuberth, Simonetta e Fabiani, Valentino, Jole Veneziani unitamente agli accessori di Ferragamo, Fragiacomo, Gucci, Roberta di Camerino, i gioielli di Bulgari – comprensivi delle iconiche creazioni “Serpenti” – e la bigiotteria di Coppola e Toppo.

Two creations by De Gasperi Zezza at Museum of the  Baths of Diocletian, photo Pasquale De Antonis, Rome, 1948

Two creations by De Gasperi Zezza at Museum of the Baths of Diocletian, photo Pasquale De Antonis, Rome, 1948

Gina Lollobrigida,  still image from the movie "Come September" (1961) by Robert Mulligan, ©Universal Pictures

Gina Lollobrigida, wearing jewelry by Bulgari, still image from the movie “Come September” by Robert Mulligan, 1962
©Universal Pictures

Anita Ekberg, wearing Bulgari jewelry, still image from the movie "Call me Bwana" by Douglas Gordon, 1962

Anita Ekberg, wearing Bulgari jewelry, still image from the movie “Call me Bwana” by Douglas Gordon, 1962

Il racconto della mostra è racchiuso anche in uno splendido catalogo (Edizioni Electa, € 55.00) che si apre con una foto di Garolla, accompagnato dalle parole di Maria Luisa Frisa che svelano ciò che è il nucleo fondante della mostra, il ritratto del couturier e del suo ruolo, il quale non è soltanto “ un creatore, ma un individuo che scruta la società in cui vive, ne interroga i molteplici umori,..impastato dall’ energia del proprio tempo” ovvero portatore e interprete del “Volksgeist”, lo “Spirito del popolo, in un determinato luogo e tempo.

Creations by Fercioni, photo Elsa Robiola,  ft. in the magazine Bellezza, n. 5, May 1951

Creations by Fercioni, photo Elsa Robiola,
ft. in the magazine Bellezza, n. 5, May 1951

 'Azalea Rosa',  Roberto Capucci, first show: Sala Bianca Palazzo Pitti in Florence, 1961, photo Claudia Primangeli, Archive Roberto Capucci Foundation

“Azalea rosa”dress, Roberto Capucci, first show,  Florence Palazzo Pitti White, 1961, photo Claudia Primangeli, Archive of Roberto Capucci Foundation

1969 'Omaggio a Burri' "Homage to Burri", Roberto Capucci, first show at the Rome Capucci atelier in Via Gregoriana, photo Claudia Primangeli, Archive Roberto Capucci Foundation

“Homage to Burri”, Roberto Capucci, first show at the Rome Capucci atelier in Via Gregoriana, 1969, photo Claudia Primangeli, Archive of Roberto Capucci Foundation

Roberto Capucci, first show, Florence Palazzo Pitti White Room, photo Claudia Primangeli, Archive of  Roberto Capucci Foundation

Roberto Capucci, first show, Florence Palazzo Pitti White Room, photo Claudia Primangeli,  1959, Archive of Roberto Capucci Foundation

Salvatore Ferragamo, "Decolletè",shoes created for Maliryn Monroe in the movie “Bus Stop” by Joshua Logan, 1965, photo Roberto Quagli

Salvatore Ferragamo, “Decolletè”,shoes created for Maliryn Monroe in the movie “Bus Stop” by Joshua Logan, 1965, photo Roberto Quagli

Bulgari, necklace, earrings, gold and platinum with turquoises, sapphires, diamonds, 1961-1962

Bulgari, necklace, earrings, gold and platinum with turquoises, sapphires, diamonds, 1961-1962

Venice, 1966, photo Ugo Mulas © Eredi Ugo Mulas,  courtesy Ugo Mulas Archive, Milao – Lia Rumma Gallery, Milan/Neaples

Venice, 1966, photo Ugo Mulas © Eredi Ugo Mulas, courtesy Ugo Mulas Archive, Milao – Lia Rumma Gallery, Milan/Neaples

Il binomio tra arte e moda sarà anche arricchito da VB74, la performance creata esclusivamente per la mostra dall’ artista Vanessa Beecroft che si terrà durante la opening. Ciò rende “Bellissima” un evento imperdibile e prezioso, poiché dignifica la moda quale fonte di cultura e di arte, riportandola nel luogo in cui deve stare: il museo. Dico ciò, pensando che questo possa essere un primo passo per il cammino che dia luogo alla nascita di un Museo della Moda in Italia oppure – considerando anche ciò che accade in altre istituzioni museali quali il MET Museum di New York ed il Victoria & Albert Museum di Londra – di specifiche aree dedicate alla moda all’ interno di un museo.

flyer

www.fondazionemaxxi.it


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THE OPENING OF “BLACK FIRE: MATTER & STRUCTURE AROUND AND AFTER BURRI” AT THE PARMA PALAZZO DELLA PILOTTA

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Alberto Burri, "Grande nero" cellotex, cellotex and acrylic on canvas (1975)

Alberto Burri, “Grande nero” cellotex, cellotex and acrylic on canvas (1975)

It will be opened on 20th December 2014, 6:30 pm, in Parma at the Salone delle Scuderie of Palazzo della Pilotta “Black fire: matter and structure around and after Burri”, exhibition which will be held from 21st December 2014 to 29th March 2015, curated by Arturo Carlo Quintavalle, organized by the Parma University’s Centre and Archive of Communication Studies(CSAC), which got as a gift “Cellotex“, a work he made of whose geometry embodies its core. Art in its many disciplines and photography joins to explore the poetry of celebrated artist Alberto Burri, required act, recurring on 2015 the centenary of his birth. This exhibition arises from a question on Burri and his work, asked during the last two years to contemporary artists – as Bruno Ceccobelli and Nunzio, Mimmo Paladino and Luca Pignatelli, Marcello Jori and Alberto Ghinzani, Pino Pinelli and Giuseppe Maraniello, Giuseppe Spagnulo and Emilio Isgrò, Attilio Forgioli and Mario Raciti, Medhat Shafik and Franco Guerzoni, Luiso Sturla and Renato Boero, Raimondo Sirotti and Davide Benati, Concetto Pozzati and Enzo EspositoGianluigi Colin and William Xerra – who answered by presenting works connected to the work of this famous master and using words to explain the connection existing between the works they made and the masterpieces by Burri, impressed also in the catalogue “Around Burri” (Skira Editions, 35. 00 Euros) by Gloria Bianchino, Maria Pia Bianchi and Carlo Arturo Quintavalle. The wide exhibition path, made of 172 works, is focused on two themes communicating between themselves: the search in terms of matter and structure that featured in the artistic path of Burri. The first theme, concerning the matter, is told by other relevant works by Lucio Fontana, Gastone Novelli, Toti Scialoja, Colla, Ballocco, Guerrini, Tavernari and Spinosa, Pierluca and Morlotti, Mandelli and Bendini, Arnaldo Pomodoro and Zauli, Mattioli and Padova, Zoni, Lavagnino and Ruggeri, Olivieri and Vago, Guenzi and Carrino, Ferrari, Repetto, Chighine. Instead the second theme, regarding the structure, is explored through the works by Perilli, Pardi, Garau, Toti Scialoja, Joe Tilson, Louise Nevelson, Nancy Martin. The photography, as the one by Aurelio Amendola from which the name of exhibition arises along with works by Nino Migliori, Mimmo Jodice, Giovanni Chiaramonte, Mario Cresci, Brigitte Niedermair and Gianni Pezzani is a relevant feature A not to be missed happening to celebrate the work of a legendary artist.

LA OPENING DI “FUOCO NERO: MATERIA & STRUTTURA INTORNO E DOPO BURRI” AL PALAZZO DELLA PILOTTA DI PARMA

 Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)


Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)

Sarà inaugurata il 20 dicembre 2014, alle ore 18:30, a Parma presso il Salone delle Scuderie del Palazzo della Pilotta “Fuoco nero: materia e struttura intorno e dopo Burri”, mostra che si terrà dal 21 dicembre 2014 al 29 marzo 2015, curata da Arturo Carlo Quintavalle, organizzata dal Centro e Archivio di Studi di Comunicazione (CSAC) dell’ Università di Parma, che ha ricevuto in dono “Cellotex”, una sua opera la cui geometria racchiude in sé il cuore della stessa. L’ arte nelle sue svariate discipline e la fotografia si uniscono per esplorare la poetica del celebre artista Alberto Burri, atto dovuto, ricorrendo nel 2015 il centenario della sua nascita. Questa mostra nasce da una domanda su Burri e il suo lavoro, fatta negli ultimi due anni a artisti contemporanei – quali Bruno Ceccobelli e Nunzio, Mimmo Paladino e Luca PignatelliMarcello Jori e Alberto Ghinzani, Pino Pinelli e Giuseppe Maraniello, Giuseppe Spagnulo e Emilio Isgrò, Attilio Forgioli e Mario Raciti, Medhat Shafik e Franco Guerzoni, Luiso Sturla e Renato Boero, Raimondo Sirotti e Davide Benati, Concetto Pozzati ed Enzo Esposito, Gianluigi Colin e William Xerra – che hanno risposto presentando lavori collegati all’ opera di questo famoso maestro e avvalendosi di parole per spiegare il legame esistente tra le loro opere e i capolavori di Burri, impresse anche nel catalogo “Intorno a Burri” (Skira, 35. 00 Euro) di Gloria Bianchino, Maria Pia Bianchi e Carlo Arturo Quintavalle. L’ ampio percorso espositivo, composto di 172 opere, è incentrato su due temi che comunicano tra di loro: la ricerca in termini di materia e struttura che è stata protagonista del percorso artistico di Burri. Il primo tema, inerente la materia, è raccontato da altre rilevanti opere di Lucio Fontana, Gastone Novelli, Toti Scialoja, Colla, Ballocco, Guerrini, Tavernari e Spinosa, Pierluca e Morlotti, Mandelli e Bendini, Arnaldo Pomodoro e Zauli, Mattioli e Padova, Zoni, Lavagnino e Ruggeri, Olivieri e Vago, Guenzi e Carrino, Ferrari, Repetto, Chighine. Il secondo tema, che invece riguarda la struttura, è esplorato attraverso le opere di Perilli, Pardi, Garau, Toti Scialoja, Joe Tilson, Louise Nevelson, Nancy Martin. La fotografia, come quella di Aurelio Amendola da cui deriva il nome della mostra unitamente alle opere di Nino Migliori, Mimmo Jodice, Giovanni Chiaramonte, Mario Cresci, Brigitte Niedermair e Gianni Pezzani è una presenza significativa. Un evento imperdibile per celebrare il lavoro di un artista leggendario.

Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)

Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)

Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)

Aurelio Amendola shooting Alberto Burri who makes “Cellotex”( Città di Castello, 1976)

  www.unipr.it


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#IOSTOCONALTAROMA – THE MOVEMENT THAT SAYS: “I AM WITH ALTAROMA”

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The fashion blog Binzento Vincente by Vincent Law

The fashion blog Binzento Vincente by Vincent Law

Having been a part of the fashion circle in Italy is a great honor, and what an amazing way to end the year when being asked to be a part of the #IostoconAltaroma (“I am with Altaroma“) campaign.

This is the hastag of a digital campaign gathering professionals, institutions and friends of the Italian fashion community to be a part of a neo movement supporting all fashion “Made In Italy” – honoring the profound history of Italian fashion and believing in the vibrant energy and innovative ideas of young talents as the source for thriving the future of Italian fashion culture and productivity.

Rome is one of the amazing cities of Italy that connects contemporary fashion, art and craftsmanship. It’s the house where talents are discovered, and eventually succeed their dreams of becoming the icon of fashion. The development of Altaroma is the driving force behind Italian haute couture and a new platform for emerging designers. It provides 100% support and protection for all works of art that are made in Italy.

The work of Altaroma holds dearly to my heart as I was given the opportunity to understand Italian young fashion talents’ ideas, listen to their stories and experience their work. The #IostoconAltaroma campaign has united many outlets related to Italian fashion: Vanity Fair Italy, Huffingtonpost.it, and Elle.it to name a few that have answered their call. And as per calling from Rome – Binzento also supports Altaroma – #IostoconAltaroma!

#IOSTOCONALTAROMA – IL MOVIMENTO CHE AFFERMA: “IO STO CON ALTAROMA”

Vincent Law

Vincent Law

 

Aver fatto parte del circuito della moda in Italia è un grande onore, ed è modo davvero meraviglioso di concludere l’ anno il momento in cui mi è stato chiesto di partecipare alla campagna #IostoconAltaroma.

Questo è l’ hashtag di una campagna digitale che riunisce professionisti, le istituzioni e gli amici della comunità della moda italiana per far parte di un nuovo movimento che sostiene l’ intera moda del “Made In Italy” – onorando l’ abissale storia della moda italiana e credendo nella vibrante energia e nelle idee innovative dei giovani talenti quale risorsa per render florido il futuro della cultura della moda italiana e della produttività.

Roma è una delle fantastiche città dell’ Italia che connette la moda contemporanea e l’ artigianato.  la dimora in i talenti sono scoperti, e capita che riescano a realizzare il proprio sogno di diventare un’ icona della moda. Lo sviluppo di Altaroma è la forza motrice dietro l’ alta moda e una nuova piattaforma di designers emergenti. Essa fornisce il supporto per tutte le opere d’ arte che sono made in Italy.

L’ opera di  Altaroma mi è oltremodo cara, avendo avuto la possibilità di comprendere le idee dei giovani talenti della moda italiana, ascoltare le loro storie e sperimentare il loro lavoro. La campagna #IostoconAltaroma ha unito diversi media che si occupano della moda in Italia, Vanity Fair, Huffingtonpost.it, and Elle.it per citarne alcuni name e sono solo alcuni di quelli che hanno argomentato il loro intervento. E ovviamente anche Binzento sostiene Altaroma – #IostoconAltaroma!

www.binzento.com


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“JE SUIS CHARLIE”: TERROR AND VIOLENCE AGAINST THE FREEDOM

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charlie

Yesterday in Paris it has been the massacre at the headquarters of satirical magazine Charlie Hebdo, a heinous slaughter made by a group of Islamic terrorists, who killed 12 people “in the name of God” It’s always the same bad story, featuring the use and abuse of religion, combined to fanaticism, ignorance and violence. 12 innocent people died, who were just liable to work and release some comics making fun of terrorists. The moral, social, condemnation for this sad happening – which concerns the freedom every individual has to express oneself – stays, as well as my wish to Charlie Hebdo for continuing to do what it did. I join with the bright songwriter and visual artist France De Griessen who asserted (through by the art I am glad sharing) “the right to poetry, to laugh, to contest, to freely express oneself is such important as the air we breathe”. This unhappy happening also made me think about the meaning of religiosity as spiritual tension to God and consider again a precious consciousness embodied in the Vangel by Thomas (apocryphal Vangel reporting the words by Jesus): “The kingdom of God is inside you and all around you. It’s not in the buildings of stone and cement. Split a wood and I will be, lift a stone and you will find me there”.

“JE SUIS CHARLIE”: TERRORE E VIOLENZA CONTRO LA LIBERTÀ

Drawing by France de Griessen

Drawing by France de Griessen

 

Ieri a Parigi c’ è stata la strage alla sede del giornale satirico Charlie Hebdo, un efferato massacro effettuato da un gruppo di terroristi islamici che hanno ucciso 12 persone “nel nome di Dio”. È sempre la stessa brutta storia di cui è protagonista l’ uso e abuso della religione, abbinato a fanatismo, ignoranza e violenza. 12 innocenti sono morti, colpevoli soltanto di lavorare e pubblicare alcune vignette che beffeggiavano i terroristi. La condanna morale, sociale per questo triste accadimento – che riguarda la libertà che tutti gli individui hanno di esprimersi – resta, come anche il mio augurio a Charlie Hebdo affinché continui a fare ciò che ha fatto. Mi unisco alla brillante cantautrice e artista France De Griessen, la quale ha affermato (attraverso l’ arte che mi rallegra condividere) che “il diritto alla poesia, a sorridere, a contestare, a esprimersi liberamente è così essenziale come l’ aria che respiriamo”. Questa infelice circostanza mi ha fatto pensare al significato della religiosità quale tensione verso Dio e riconsiderare una preziosa consapevolezza racchiusa nel Vangelo di Tommaso( Vangelo apocrifo che riporta le parole di Gesù): “Il regno di Dio è dentro di te e tutto intorno a te. Non è negli edifici di pietra e cemento. Spezza un legno e io ci sarò, alza una pietra e lì mi troverai”.

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“LA CAMICIA BIANCA SECONDO ME”: THE THINKING ELEGANCE BY GIANFRANCO FERRÈ AT THE MILAN PALAZZO REALE

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Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

The white shirt, iconic garment fully evidencing the experimentation and genius of unforgettable fashion designer Gianfranco Ferré is celebrated by “La camicia Bianca secondo me”, exhibition, recently opened in Milan at the Palazzo Reale, sponsored by the City of Milan Labour, Fashion, Design and Culture Department, produced by Palazzo Reale and Gianfranco Ferrè Foundation in collaboration with the Prato Museum Textile and curated by Daniela Degl’ Innocenti which runs through 1st April 2015. The exhibition path talks about the sophistication of white shirt through many media. Tulle cloths turn into screens depicting the macro pictures of sketches by the fashion designer. Instead the core of the exhibition is placed in the center of the Sala delle Cariatidi where are the sculptural white shirts. The matter – taffeta, crêpe de chine, organza, satin, tulle, silk and cotton cloths, laces and embroideries – shines and talks about the wise art of making, embodying harmony, lightness and sartorialism. The suggestive tale is emphasized by different materials coming from the Archive of Gianfranco Ferré Foundation and photo screenings that cast light on the creative path of Gianfranco Ferré and his poetry. The event is accompanied by a book-catalogue (edited by Skira), made with the art-direction by Luca Stoppini which includes contributions by the curator, Quirino Conti, Anna Maria Stillo Castro, Margherita Palli, Daniela Puppa and Franco Raggi which tells about the vision by the legendary creative and the architectures he made. A not to be missed event to discover, know and enjoy the thinking elegance by Gianfranco Ferré.

“LA CAMICIA BIANCA SECONDO ME”: L’ ELEGANZA PENSANTE DI GIANFRANCO FERRÈ AL PALAZZO REALE DI MILANO

Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

La camicia bianca, capo iconico che più di ogni altro testimonia la sperimentazione e il genio dell’ indimenticabile fashion designer Gianfranco Ferré è celebrata da “La camicia Bianca secondo me”, mostra recentemente inaugurata al Palazzo Reale di Milano, promossa dall’ Assessorato alle Politiche del Lavoro, Moda, Design e Cultura del Comune di Milano, prodotta dal Palazzo Reale e dalla Fondazione Gianfranco Ferrè in collaborazione con il Museo del Tessuto di Prato e curata da Daniela Degl’ Innocenti che prosegue fino all’ 1 aprile 2015. Il percorso espositivo racconta la raffinatezza della camicia bianca attraverso molteplici media. Teli di tulle si trasformano in schermi che raffigurano macro immagini dei disegni del fashion designer. Il cuore della mostra è invece posizionato al centro della Sala delle Cariatidi in cui si trovano le scultoree camicie bianche. La materia – taffetà, crêpe de chine, organza, raso, tulle, stoffe di seta e cotone, merletti e ricami – splende e parla di una sapiente arte del fare, che racchiude in sé armonia, leggerezza e sartorialità. Il suggestivo racconto è enfatizzato dai vari materiali provenienti dall’ Archivio della Fondazione Gianfranco Ferré e dalle proiezioni di foto che gettano luce sull’ iter creativo di Gianfranco Ferré e sulla sua poesia. L’ evento é accompagnato da un libro-catalogo (edito da Skira), realizzato con la direzione artistica di Luca Stoppini che include i contributi della curatrice, di Quirino Conti, Anna Maria Stillo Castro, Margherita Palli, Daniela Puppa e Franco Raggi che narra la visione del leggendario creativo e le architetture da lui realizzate. Un evento imperdibile per scoprire, conoscere e apprezzare l’ eleganza pensante di Gianfranco Ferré.

Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferré at the Milan Palazzo Reale, set design by Leonardo Salvini

 

Gianfranco Ferré, Classic Glamour shirt, Fall/Winter 1990, photo by Luca Stoppini

Gianfranco Ferré, Classic Glamour shirt, Fall/Winter 1990, photo by Luca Stoppini

 

Gianfranco Ferré, Sailor Glam shirt, Spring/Summer 1982, photo by Luca Stoppini

Gianfranco Ferré, Sailor Glam shirt, Spring/Summer 1982, photo by Luca Stoppini

 

Gianfranco Ferré, Contrappunto shirt, Spring/Summer 1987, photo by Luca Stoppini

Gianfranco Ferré, Contrappunto shirt, Spring/Summer 1987, photo by Luca Stoppini

 

Gianfranco Ferrè, Classic  Glamour shirt, Fall/Winter 1990, photo by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferrè, Classic Glamour shirt, Fall/Winter 1990, photo by Leonardo Salvini

 

Gianfranco Ferré, Sailor Glam shirt, Spring/Summer 1982, photo by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferré, Sailor Glam shirt, Spring/Summer 1982, photo by Leonardo Salvini

 

Gianfranco Ferré, Contrappunto shirt, Spring/Summer 1987, photo by Leonardo Salvini

Gianfranco Ferré, Contrappunto shirt, Spring/Summer 1987, photo by Leonardo Salvini

 

 

www.fondazionegianfrancoferre.com


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THE WILD HARMONY OF ANGELO NAJ OLEARI AT FLORACULT

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Angelo Naj Oleari and Guido Piacenza at Floracult, photo by N

Angelo Naj Oleari and Guido Piacenza at Floracult, photo by N

Poetry, lightness, culture of nature, sweetness, an ontology of life and existence which depicts a genuine and conscious lifestyle under the sign of modesty, humility, solidarity, dynamism and kind anarchism. That is the thought of Angelo Naj Oleari, bright and eclectic individual – Fluxus artist, celebrated fashion designer of brand Naj Oleari which during the Eighties softened the dress-code of men and women, author and poet – featured along with Guido Piacenza in the opening talk of the sixth edition of nursery-gardening event Floracult ideated by Ilaria Venturini Fendi and curated by Antonella Fornai which has recently held at the Casali del Pino in La Storta, in the suggestive frame of Rome countryside.

Floracult, photo by N

Floracult, photo by N

Bright and vibrant ideas on the move are embodied in  “Armonia selvatica, semi coraggiosi” (standing as “Wild harmony, brave seeds”, Ponte alle Grazie editions, 12,00 Euros), the book he made, launched during this circumstance, which directs to farmers, experts of this field and neophytes, asserting and evidencing with autobiographical tales where he talks about his life and experience, flowers, trees and insects with a deep love and respect arising from the loving care he gave in this realm, developed with the opening of the Milan Botanical Centre in 1975, impressed in the famous prints of cloths by Naj Oleari and recently crowned by the creation of International Association Brave Seeds which has the purpose of promoting the method of wild agriculture, an anarchic concept opposing to the monoculture (word reminding me the “One-dimensional man”, book by Herbert Marcuse, documenting the parallel rise of new forms of social repression in the capitalistic and communist society from whose arises the lack of freedom of people and promoting the great refusal, the negative thinking in order to oppose oneself to the methods of control) and considers the dynamism, genius loci, heritage of flora and fauna existing in a certain place, being favorable to the natural development of a certain plot. The one, like me, who is deeply ignorant in this realm, enriched oneself by new consciousnesses, by hearing his talk and reading the book he made. This theme could sound very far from who doesn’t use to take care – like me – of grasses, though he/she loves them, but it’s not like that.

photo by N

photo by N

Nature is the metaphor of life and living, a lifestyle made of “a supportive movement”, a collaborative participation which turns itself into participative collaboration. That reminds the idea which is the core of Wikipedia, though it doesn’t come from the ether, but it arises from the land. It’s a cultural evolution starting from the farming and becoming culture, a monition to increase “the communication from the sky to the earth” – as Angelo asserts – “towards the being”. It shines the kind anarchism opposing to the will of power which gave rise to mono-cultural systems of control and supremacy in the political, state, military, religious, educational, working, industrial and unfortunately also agricultural. The idea of Angelo is to remove agriculture from the system in order to get the harmony in every other realm under the sign of a creative spirit, which makes everything change and re-form a spirit of great understanding. It continues talking about agriculture, but it’s not like that, or rather it’ s not only about that. Culture, knowledge, sociality, syncretism, removal from the ethic of “divide et impera” (“divide and conquer”) or the sterile categorical imperative of “produce, consume, die” featuring in the track “Morire” (“To die”) by CCCP giving  rise to a blind consideration of needs in a consumerist way, which impoverishes the man where unnatural and unnecessary needs – as the ones defined by Epicurus – become essential. This and much more I will talk about widely soon is what is embodied in this book, precious instrument to think about and see the world surrounding us through another point of view, being much more simple, clear and healthy than the twisted ways where the individual often gets lost.

L’ ARMONIA SELVATICA DI ANGELO NAJ OLEARI A FLORACULT

Angelo Naj Oleari and Guido Piacenza at Floracult, photo by N

Angelo Naj Oleari and Guido Piacenza at Floracult, photo by N

Poesia, leggerezza, cultura della natura, dolcezza, un’ ontologia della vita, dell’ esistere che parte dalle piante, un’ idea, l’ armonia selvatica che dipinge uno stile di vita genuino, autentico e consapevole, all’ insegna di modestia, umiltà, solidarietà, dinamismo e anarchismo gentile. Questo il pensiero di Angelo Naj Oleari, brillante ed eclettica individualità – artista Fluxus, celebre fashion designer del brand Naj Oleari che negli anni Ottanta con levità e ironia ha ingentilito il codice vestimentario di uomini e donne, scrittore e poeta -, protagonista insieme a Guido Piacenza del talk di apertura della sesta edizione dell’ evento florovivaistico Floracult ideato da Ilaria Venturini Fendi e curato da Antonella Fornai che si è recentemente tenuto presso i Casali del Pino a La Storta, nella suggestiva cornice della campagna romana.

photo by N

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Idee in movimento, luminose e vibranti, quelle racchiuse in “Armonia selvatica, semi coraggiosi”(Edizioni Ponte alle Grazie, 12,00 Euro), il suo libro che ha presentato in questa occasione, il quale si rivolge agli agricoltori, esperti del settore e neofiti, affermando e comprovando mediante racconti autobiografici in cui parla della sua vita ed esperienza, di fiori, alberi e insetti con un profondo amore e rispetto che nasce dalla amorevole cura da lui riversata in questo ambito, consolidata con l’ apertura del Centro Botanico di Milano nel 1975, impressa nelle famose stampe dei tessuti Naj Oleari e culminata recentemente con la creazione dell’ Associazione Internazionale Brave Seeds che si propone di promuovere il metodo dell’ agricoltura selvatica, un concetto anarchico che si oppone alla monocoltura (lemma che mi ricorda “L’ uomo a una dimensione”, libro di Herbert Marcuse che documenta la parallela nascita di nuove forme di repressione sociale nella società capitalistica e comunista da cui deriva la privazione della libertà della gente e promuove il grande rifiuto, il pensiero negativo al fine di opporsi ai metodi di controllo) e considera il dinamismo, il genius loci, il patrimonio di flora e fauna esistente in un determinato luogo, favorevole al naturale sviluppo di un determinato terreno. Chi come me è profondamente ignorante in questo ambito, si è arricchito di nuove consapevolezze, ascoltando il suo intervento e leggendo il suo libro. Questo argomento che potrebbe sembrare lontano dalla quotidianità dell’ individuo e specialmente di chi come me, non è neppure avvezzo a curare le piante, pur amandole, ma così non è.

photo by N

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La natura è la metafora della vita e del vivere, di uno stile di vita, fatto di “un movimento solidale”, una partecipazione collaborativa che si trasforma in collaborazione partecipativa. Ciò ricorda il concetto su cui si basa Wikipedia, eppure non proviene dall’ etere, ma dalla terra. E’ un’ evoluzione culturale che parte dalle colture e diventa cultura, un monito a valorizzare “la comunicazione dal cielo alla terra” – come afferma Angelo – “verso l’ essere”. Splende l’ anarchismo gentile di chi si oppone alla volontà di potere che ha dato vita a sistemi di controllo e dominio di matrice monoculturale in ambito politico, statale, militare, religioso, scolastico, lavorativo, industriale e purtroppo anche agricolo. Il pensiero di Angelo vuole sottrarre l’ agricoltura al sistema al fine di raggiungere l’ armonia in tutti quegli altri ambiti all’ insegna di uno spirito creativo mediante il quale tutto cambia e si riforma in uno spirito di grande comprensione. Si continua a parlare di agricoltura, ma così non è o meglio non lo è soltanto. Cultura, conoscenza, socialità, sincretismo, sottrazione all’ etica del “divide et impera” (dividi e comanda) o dello sterile imperativo categorico del “produci, consuma, crepa” protagonista del brano “Morire” dei CCCP che anima una cieca considerazione dei bisogni in chiave consumistica, la quale depaupera l’ uomo in cui i bisogni non naturali e non necessari – come quelli definiti ieri da Epicuro – diventano invece essenziali. Questo e molto altro di cui presto tornerò a parlare ampiamente è ciò che è racchiuso in questo libro, uno strumento prezioso per pensare e osservare il mondo che ci circonda attraverso un altro punto di vista, molto più semplice, limpido e salubre delle contorte vie in cui sovente si perde l’ individuo.

photo by N

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http://centrobotanico.it


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WALKING IN BRESCIA…ART, CULTURE, HEDONISM & EPICUREANISM

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Me, myself & I walking in Brescia, photo by N

Me, myself & I walking in Brescia, photo by N

I spent a pleasant afternoon in Brescia, a city I appreciate very much, its architecture where are impressed signs of the people who occupied it (the Ancient Romans, Langobards, the Republic of Venice) along with the other buildings and squares talking about an age – I like very much -, the Early Nineties. A verticality and an anarchic spirit is what I felt, as sentimental traveler I am, walking in this city (historically Brescia always defended itself, from the Milan aristocracy, the Republic of Venice and in the late seventeenth century, during the Risorgimento also from the Austrian people, a resistance which lasted ten days for which it has named the  Lioness of Italy).

Brescia, photo by N

Brescia, photo by N

Brescia, photo by N

Brescia, photo by N

Brescia, photo by N

Brescia, photo by N

The first stop of my walk has been the A+B Contemporary Art Gallery. Here I saw again the bright art dealer Dario Bonetta and the exhibition which has recently opened featuring the works of matter by Tiziano Martini where the paint joins resin ( and I also enjoyed the awesome and moving work by a promising artist who is resident at this gallery, Nazarena Poli Maramotti). Later I discovered ClaraPerClara, place under the sign of hedonism which hosts a hairstylist and SPA – using and selling high-end and natural products – as well as the smashing creations ideated by Clara and made in collaboration with Beatrice Erre, unusual and fun head accessories she made.

Tiziano Martini, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

Me, myself & I at the A+B Contemporary Art Gallery, photo by N

Me, myself & I at the A+B Contemporary Art Gallery, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

Nazarena Poli Maramotti, photo by N

Nazarena Poli Maramotti, photo by N

Then I ran into another iconic place of the city, Maria Bruna, an olfactory atelier which hosts the most renowned names of artistic perfumery and also a SPA, enriched by the scents of essential oils and a furniture evoking relax and lightness I visited with Maria Bruna, fine researcher in the realm of beauty products and scents (a bright individual who amazed me, as she was the only individual I ever met, to guess the pH of my skin just by smelling it my arm). After these visits under the sign of hedonism I went in a vibrant place, the Tarantola bookstore, an famous Brescia bookstore where I saw an old collection of Lacerba – the celebrated Futurism review – and a display of works by Céline. I stayed downstairs where it is placed a coffee bar and I had a delicious coffee while I took a look at some books. It was an afternoon I spent joyfully in a city where I like coming back.

PASSEGGIANDO A BRESCIA… ARTE, CULTURA, EDONISMO & EPICUREISMO

The head accessories made by Clara at ClaraPerClara, photo by N

Clara showing me the head accessories and heads covered by  wool cloth made by Beatrice Erre for ClaraPerClara, photo by N

Ho trascorso un piacevole pomeriggio a Brescia, città che apprezzo molto come anche la sua architettura in cui sono impressi i segni delle genti che l’ hanno occupata (gli antichi romani, i Longobardi, la Repubblica di Venezia) insieme a svariati edifici e piazze che parlano di un’ epoca – che mi piace molto -, i primi anni del Novecento. Una verticalità e uno spirito anarchico è ciò che ho avvertito, da viaggiatore sentimentale qual sono, passeggiando per questa città (storicamente Brescia si è sempre difesa, dall’ aristocrazia di Milano, dalla Repubblica di Venezia e alla fine del diciassettesimo secolo, durante il Risorgimento, anche dagli Austriaci, una resistenza durata dieci giorni per la quale è stata soprannominata la Leonessa d’ Italia).

Tiziano Martini, photo by N

Tiziano Martini, photo by N

La prima tappa della mia passeggiata é stata la Galleria A+B Contemporary Art Gallery. Ivi ho rivisto il brillante gallerista Dario Bonetta e la mostra che e stata recentemente inaugurata di cui sono protagoniste le opere materiche che uniscono pittura e resina di Tiziano Martini ( e ho anche ammirato una fantastica e struggente opera di un’ artista che risiede in questa galleria, Nazarena Poli Maramotti). Successivamente ho scoperto ClaraPerClara, un luogo all’ insegna dell’ edonismo che ospita un hairstylist e SPA – la quale si avvale di prodotti di alta qualità e derivazione naturale che sono anche in vendita – come anche le formidabili creazioni ideate da Clara e realizzate in collaborazione con Beatrice  Erre, insoliti e divertenti accessori per capelli.

The head accessories made by Clara at ClaraPerClara, photo by N

The head accessories made by Beatrice Erre for ClaraPerClara, photo by N

The head accessories made by Clara at ClaraPerClara, photo by N

The head accessories made by Beatrice Erre for ClaraPerClara, photo by N

Mi sono poi imbattuta in un’ altro luogo iconico della città, Maria Bruna, un atelier olfattivo che ospita i più rinomati nomi della profumeria artistica ed anche una SPA, arricchita dagli effluvi di oli essenziali e da arredi che evocano il relax e la leggerezza che ho visitato con Maria Bruna, fine ricercatrice nell’ ambito della cosmetica e delle fragranze (una brillante individualità che mi ha sorpreso, poiché è stata la prima persona che abbia mai incontrato prima a indovinare subito il pH della mia pelle, sentendo l’ odore del mio braccio).Dopo questi interludi edonistici mi sono recata in un vibrante luogo, la libreria Tarantola, famosa libreria bresciana in cui ho visto un’ antica raccolta di Lacerba – la celebre rivista futurista – e una rassegna delle opere di Céline. Mi son fermata al piano di sotto in cui si trova una caffetteria e ho bevuto un delizioso caffè mentre osservavo alcuni libri. Un pomeriggio trascorso gioiosamente in una città in cui mi piace tornare.

Maria Bruna's SPA, photo by N

Maria Bruna’s SPA, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The Lacerba collection at the Tarantola bookstore, photo by N

The Lacerba collection at the Tarantola bookstore, photo by N

Aldo Busi ft. in the Tarantola bookstore, photo by N

Aldo Busi ft. in the Tarantola bookstore, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The Tarantola bookstore, photo by N

The coffee-bar at the Tarantola bookstore, photo by N

The coffee-bar at the Tarantola bookstore, photo by N

Me, myself & I at the ccffee-bar of Tarantola bookstore, photo by N

Me, myself & I at the ccffee-bar of Tarantola bookstore, photo by N


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THE DIGNIFICATION OF TRANS PEOPLE INTO THE MAINSTREAM CULTURE IS NEAR: VIVA!

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Justin  Vivian Bond

Justin Vivian Bond

I think the acceptance of transgender individual  in the mainstream, genderized culture is near and I celebrate that. Facts evidence a movement promoted by many associations as well artists who are activists as the iconic and eclectic Justin Vivian Bond, transgender artist who started to use the word “MX”, to follow V’s ( another transgender word which does not stand to the male or female pronoums “his” or “her” and marks the fact of being a transgender) name. This practice has recently recognized by the Oxford English Dictionary which included this word honoring the trans people as well as the people who are gender fluid or rather the ones who does not wish to define themselves by any particular gender. Another evidence comes from the fashion scene. The transgender Olympic champion Bruce Jenner,who uses as name “Caitlyn”, will feature in the Vanity Fair July 2015 cover issue. It follows other good news: Andreja Pejic,the celebrated transgender top-model who started working, appearing in the catwalks presenting the womenswear and meanswear collections, will feature in the advertising campaign of the make-up brand Make Up For Ever. They are signs documenting an age, these times, where something it’ s changing. The aesthetics becomes bringer of an ethic, designing a new standard of beauty and embodying the idea of freedom, a value I support, make concrete and defend. Naturally I would be much more happy if there would be more freedom in the world I live and people, their behaviors would not be classified and limited by standards arising from the gender, what it is between your legs. Repression is a word strictly connected to the society – this idea reminding me the philosopher Herbert Marcuse and the cult-movie “The Raspberry Reich” by the bright Canadian filmmaker and photographer Bruce LaBruce who uses the queercore aesthetics in a subversive way, emphasizing his libertine and libertarian ideas  that are also impressed in the book he made “The revolution is my boyfriend” – which classifies and closes the spaces where people express themselves. I am for the openness, “the freedom of many people to live”- as Justin asserts – “in an authentic self-determined space” and thus I wish it is done to get much more in this realm.

LA DIGNIFICAZIONE DEI TRANS NELLA CULTURA DI MAINSTREAM É VICINA: EVVIVA!

Caitlyn Jenner, photo by Annie Leibovitz

Caitlyn Jenner, photo by Annie Leibovitz

Ritengo che l’ accettazione e dignificazione del trans nella cultura genderizzata di mainstream sia vicina ed io celebro ciò. I fatti testimoniano la crescita di un movimento promosso da varie associazioni come anche da artisti che sono attivisti quale l’ iconico ed eclettico Justin Vivian Bond, artista  transessuale che ha iniziato a usare la parola “MX”, accompagnandola al suo nome (in cui “suo” corrisponde a “V”, un’ altra parola di cui si è avvalso che non corrisponde ai pronomi maschili e femminili “his” e “her” e rimarca  l’ essere un trans) . Questa prassi è stata recentemente riconosciuta dall’ Oxford English Dictionary che ha inserito questo lemma che onora i trans come anche le persone che sono fluide al gender o meglio coloro che non intendono essere definiti in termini di gender. Un’ altra dimostrazione proviene dagli ambienti della moda. Il campione delle Olimpiadi Bruce Jenner che si fa chiamare “Caitlynsarà protagonista della copertina dell’ edizione di luglio 2015 di Vanity Fair. Seguono altre buone notizie:  Andreja Pejic, la celebre top-model trans che ha iniziato a lavorare, apparendo sulle passerelle che presentavano le collezioni donna e uomo, sarà la protagonista della campagna pubblicitaria del marchio di cosmetici Make Up For Ever. Sono segni che documentano un epoca, questo periodo, in cui qualcosa sta cambiando. L’ estetica diviene portatrice di un’ etica che disegna un nuovo standard di bellezza e racchiude in sé l’ idea di libertà, un valore che supporto, concretizzo e difendo. Naturalmente sarei molto più felice se ci fosse più libertà nel mondo in cui vivo e gli individui, i loro comportamenti non fossero classificati e limitati da standard derivanti dal gender, da ciò che c’è tra le proprie gambe. Repressione è una parola strettamente connessa alla società ed alla sua dialettica – questo concetto mi richiama alla mente il  filosofo Herbert Marcuse e il cult-movie “The Raspberry Reich” del brillante regista e fotografo canadese Bruce LaBruce – il quale si avvale dell’ estetica queercore in modo sovversivo, enfatizzando la sue idee libertine e libertarie che sono anche impresse nel suo libro “The revolution is my boyfriend” -, che classifica e restringe gli spazi in cui gli individui esprimono il proprio sé. Sostengo l’ apertura, “la libertà di molte persone di vivere” – come  afferma Justin – “in un autentica dimensione determinata unicamente da loro stessi” e perciò spero che si faccia ancora molto di più in questo senso.

Andreja Pejic, photo courtesy of Dazed Digital

Andreja Pejic, photo courtesy of Dazed Digital


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FASHION AT IUAV 2015 COMES BACK TO VENICE

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It will be held from 2nd to 3rd July 2015, Fashion at Iuav, the happening under the sign of fashion and its culture, promoted by the Fashion Design Faculty of IUAV University of Venice headed by the bright Maria Luisa Frisa -, which moves or rather comes from Treviso to its traditional seat, Venice..A two days event which will feature “L’ Italia è di moda” – which will be held on 2nd July 2015 in the Tolentini/ Santa Croce 191 space of IUAV University  from 12:00 am to 12:00 pm, made in collaboration with the magazine Rivista Studio -, it will be 24 hours of words, projects and images along with the BA and MA graduation show of IUAV students which will be held on 3rd July 2015 at the Area Magazzini ex Frigoriferi of Iuav University of Venice. A not to be missed happening or rather, borrowing the words of one of the souls of this Faculty, the professor and fashion curator, untiring worker and beautiful individual joining kindness, efficiency and a fine mind, Gabriele Monti: “it’s always a great success at the Iuav”!

FASHION AT IUAV 2015 TORNA A VENEZIA

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

Si terrà dal 2 al 3 luglio 2015, Fashion at Iuav, l’ happening all’ insegna della moda e della sua cultura, promosso dalla Facoltà di Fashion Design della Università IUAV di Veneziaguidato dalla brillante Maria Luisa Frisa -, che si sposta ovvero ritorna da Treviso alla  sua sede tradizionale, Venezia..Un evento di due giorni di cui sarà protagonista “L’ Italia è di moda” – che si terrà il 2nd luglio 2015 presso lo spazio Tolentini/ Santa Croce 191 dell’ Università IUAV dalle ore 12:00 alle ore 24:00, realizzato in collaborazione con il in magazine Rivista Studio -, 24 ore di parole, progetti e immagini unitamente alla sfilata degli studenti neolaureati del Corso di Laurea Triennale e Magistrale di Fashion Design della IUAV che si terrà il 3 luglio 2015 nell’ Area Magazzini ex Frigoriferi dell’ Università Iuav di Venezia. Un evento imperdibile o meglio, prendendo a prestito le parole di una delle anime di questa facoltà, il docente e fashion curator, lavoratore indefesso, bella individualità che unisce gentilezza, efficienza e un fine intelletto Gabriele Monti: “è sempre un grand successo alla Iuav”!

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

A project ft. in Fashion at Iuav 2014, photo by N

Fashion at Iuav 2014: an exhibition depicting the circus atmosphere, photo by N

Fashion at Iuav 2014: an exhibition depicting the circus atmosphere, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I in the mood for the exhibition, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I in the mood for the exhibition, photo by N

Fashion at Iuav 2014: trinity moment ft. me, myself and I, Giusi Ferré and Maria Luisa Frisa, photo by N

Fashion at Iuav 2014: trinity moment ft. me, myself and I, Giusi Ferré and Maria Luisa Frisa, photo by N

Fashion at Iuav 2014, photo by N

Fashion at Iuav 2014, photo by N

Fashion at Iuav: in the garden with my devoted Iuav companion Simone Sbarbati, the creator of blog Frizzi Frizzi, photo by Elda Danese

Fashion at Iuav 2014: in the garden with my devoted Iuav companion Simone Sbarbati, the creator of blog Frizzi Frizzi, photo by Elda Danese

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Elda Danese, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Elda Danese, photo by N

Fashion at  Iuav 2014: me, myself & I along with Ermanno Scervino, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Ermanno Scervino, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Iuav my guardian angel, Paolo Boin, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Iuav my guardian angel, Paolo Boin, photo by N

Fashion at Iuav 2014: an Epicurean  interlude ft. me, myself & I , Simone Sbarbati and Fabio Quaranta, photo by N

Fashion at Iuav 2014: an Epicurean interlude ft. me, myself & I , Simone Sbarbati and Fabio Quaranta, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Arthur Arbesser, photo by N

Fashion at Iuav 2014: me, myself & I along with Arthur Arbesser, photo by N

www.iuav.it


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THE “HOMAGE TO LUCIO FONTANA” AND OTHER WONDERS OF THE MILAN MARCONI MODERN & CONTEMPORARY ART FOUNDATION

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Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

I recently visited along with Angelo Naj Oleari the Milan Marconi Modern & Contemporary Art Foundation created by the brilliant art dealer Giorgio Marconi – who discovered and showcased in his gallery the works by artists as Valerio Adami, Lucio Del Pezzo, Mario Schifano and Emilio Tadini. It’s a vibrant story told by him and Natalia Aspesi in the book “Autobiography of a Gallery: the Marconi studio 1962-1992” (Skira Editions, 50,00 Euros) – to enjoy “Homage to Lucio Fontana”, the exhibition featuring Lucio Fontana which is held here and runs through 31st October 2015. It was an awesome afternoon interlude to enjoy the masterpieces by Lucio Fontana and get unknown remarks on the artist from Angelo who were a close friend of him (at that time he was a Fluxus artist and a poet, just later he became the fashion designer of brand Naj Oleari which refined the dress-code of men and women during the Eighties). Nice tales depicting the care for detail the artist had as the way he wanted to showcase his unique, most celebrated, work. To do that, it was created a special room in the Foundation in order to exhibits this work, following his standards. I also got other hilarious remarks from Angelo about Lucio Fontana (who has been the best man of his first marriage with the artist Maurizia Dova, the daughter of painter Gianni Dova of whose initials, impressed in the Naj Oleari cloths and accessories I had as a child along to my natural enthusiasm and overwhelming curiosity, have been the way when I was a child I discovered her, as well as Lindsay Kemp, genius artist who signed some of the cloths and prints made by the brand) that enriched my successful stay at the Foundation which followed with the coming of ironic Giorgio Marconi. He kindly invited me to visit the downstairs area of the Foundation where it is a refined selection of contemporary art featuring Mimmo Rotella, Mario Schifano, Giuseppe Uncini, Lucio Del Pezzo, Hasiao Chin, Emilio Isgrò, Sonia Delaunay, Man Ray and many others. I was really pleased to see in this area a showcase of books, the visitor has the chance of reading, staying close to the artworks that are showcased and knowing much more about them. It’s a laudable initiative to develop and increase the culture in the realm of arts, as I told to Giorgio. Unfortunately I could not visit entirely the Foundation, including also a wide library and other rooms that were work in progress, but I am sure to come back again in this wonderful place for enjoying the work by a fine mind, Giorgio Marconi.

L’ “OMAGGIO A LUCIO FONTANA” E LE ALTRE MERAVIGLIE DELLA FONDAZIONE MARCONI DI ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA DI MILANO

Giorgio Marconi, photo by N

Giorgio Marconi, photo by N

Ho recentemente visitato insieme ad Angelo Naj Oleari la Fondazione Marconi di Arte Moderna e Contemporanea di Milano, creata dal brillante gallerista Giorgio Marconi – che ha scoperto ed esposto nella sua galleria artisti quali Valerio Adami, Lucio Del Pezzo, Mario Schifano ed Emilio Tadini. Una storia vibrante raccontata da lui e Natalia Aspesi nel libro the book “Autobiografia di una Galleria: lo studio Marconi 1962-1992” (Edizioni Skira, 50,00 Euro) – per ammirare la mostra di cui è protagonista Lucio Fontana che ivi si tiene e prosegue fino al 31 Ottobre 2015. Un fantastico intermezzo pomeridiano per apprezzare le opere di un artista leggendario, Lucio Fontana, e avere anche informazioni di natura personale inerenti l’ artista da parte di Angelo che era un suo caro amico( a quei tempi Angelo era un artista Fluxus e un poeta, soltanto dopo, è divenuto il fashion designer del brand brand Naj Oleari che ha ingentilito il codice vestimentario di uomini e donne negli anni Ottanta). Simpatici racconti che raffigurano la cura per il dettaglio dell’ artista, come il modo in cui voleva che un’ opera singola opera, la più celebre, fosse esposta. Per far ciò, è stata appositamente creata una stanza nella Fondazione al fine di esporla, conformemente agli standard di Fontana. Ho avuto altre ilari notizie da parte di Angelo su Lucio Fontana (che era stato il testimone delle sue prime nozze con l’ artista Maurizia Dova, la figlia del pittore Gianni Dova le cui iniziali, impresse nei tessuti e negli accessori Naj Oleari che avevo da bambina unitamente al mio naturale entusiasmo e alla mia irrefrenabile curiosità, sono stati il modo in cui ho scoperto lei come anche Lindsay Kemp, geniale artista che ha firmato alcuni dei tessuti e delle stampe del marchio) che ha arricchito la mia felice permanenza alla Fondazione, la quale è proseguita con la venuta dell’ ironico Giorgio Marconi. Costui mi ha gentilmente invitata a vedere l’ area al piano superiore della Fondazione in cui si trova una raffinata selezione di arte contemporanea la quale comprende Mimmo Rotella, Mario Schifano, Giuseppe Uncini, Lucio Del Pezzo, Hasiao Chin, Emilio Isgrò, Sonia Delaunay, Man Ray e molti altri. Mi ha oltremodo rallegrato trovare in quest’ ambiente una rassegna di libri, che il visitatore ha la possibilità di consultare, rimanendo vicino alle opere che sono esposte e saperne di più. Una lodevole iniziativa per consolidare e accrescere la cultura nell’ ambito delle arti, come ho detto a Giorgio. Sfortunatamente non ho potuto vedere la Fondazione per intero, la quale comprende anche una vasta biblioteca e altre stanze che erano in corso d’ opera, però son certa di tornare nuovamente in questo luogo meraviglioso per apprezzare il lavoro di una fine mente, Giorgio Marconi.

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

Lucio Fontana, photo by N

The most celebrated work Lucio Fontana made, set up in the way relying to his standards, photo by N

The most celebrated work by Lucio Fontana, set up in the way corresponding to his standards, photo by N

Mario Schifano, photo by N

Mario Schifano, photo by N

Giuseppe Uncini, photo by N

Giuseppe Uncini, photo by N

Man Ray, Mythologie moderne II, photo by N

Man Ray, Mythologie moderne II, photo by N

Hasiao Chin, photo by N

Hasiao Chin, photo by N

Lucio Del Pezzo, photo by N

Lucio Del Pezzo, photo by N

Mimmo Rotella, photo by N

Mimmo Rotella, photo by N

Sonia Delaunay, photo by N

Sonia Delaunay, photo by N

Emilio Isgrò, The Ottoman Code of Loneliness, photo by N

Emilio Isgrò, The Ottoman Code of Loneliness, photo by N

Giorgio Marconi and Angelo Naj Oleari looking at the Ottoman Code of Loneliness by Emilio Isgrò, photo by N

Giorgio Marconi and Angelo Naj Oleari looking at the Ottoman Code of Loneliness by Emilio Isgrò, photo by N

Emilio Isgrò, The Ottoman Code of Loneliness, photo by N

Emilio Isgrò, The Ottoman Code of Loneliness, photo by N

Me, myself & I along with Angelo Naj Oleari, photo by N

Me, myself & I along with Angelo Naj Oleari, photo by N

www.fondazionemarconi.org


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OBSCENITY & REVOLUTION: FASHION, PHOTOGRAPHY, OLFACTIVE DESIGN, JEWELRY & OTHER WONDERS BY BRUCE LABRUCE

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Bruce LaBruce

Bruce LaBruce

Bruce LaBruce, brilliant Canadian filmmaker, photographer and author, who uses queercore, a non conventional aesthetics which questions about the contemporary times, is bringer of libertine and libertarian ideas, turned into films as the celebrated cult-movie “The Raspberry Reich” (the word “Reich” is a clear reference to the psychiatric and philosopher Wilhelm Reich), featuring the slogan “The revolution is my boyfriend”. That became a book, “The Revolution is my boyfriend: The Raspberry Reich and the Subversive Power of Political Porn”, embodying his vibrant thought as well as fashion or rather a collection of t-shirts made in collaboration with Poppsychic including some of the categorical imperatives that are in this movie as “Join the homosexual intifada”. The overwhelming creativity of Bruce also experienced with the olfactive design, giving rise along with the nose Kim Weissange to the perfume “Obscenity by Bruce LaBruce”, fragrance which has launched during the exhibitions, held time ago in Madrid at the La Fresh art gallery and in New York at The Hole gallery, focused on the theme of holy and profane, naturally reinterpreted in his unique way, emphasizing fetish suggestions, grotesque visions and including also a marvelous picture of the iconic actress Rossy de Palma. The packaging of scent, which is available in two editions, the gold and silver one, is as itself a suggestive work, designed by Jonathan Johnson, which depicts a naked woman kneeled on the top of bottle and a drop going down. The bouquet of “perfume is associated” – as Bruce says – “with occult or religious rituals (vetiver, labdanum and oud) along with others aromas that are considered as aphrodisiacal” like patchouli and sandalwood and makes concrete the idea of obscenity (word reminding me the poetry by Carmelo Bene who, considering the theatre, defined the “porn”, “oscene” – to be off the stage as it arises from the ancient Greek language – as the physical place where the act becomes exclusively performative, neither metaphoric, nor representative, as well as it happens in the realm of sport- It’s the body into the porn which is the scene and space of action) or rather the absence of conflict between the religious and sexual, they should be completely complementary”. “The fragrance” – Bruce tells – “is meant to stimulate you sexually, but it also contains holy elements”, that perhaps have healing properties as the water from Lourdes. The launch of this perfume was accompanied by a commercial shot by the filmmaker which poked fun the realm of mainstream perfumes’ commercials and talked about an ethereal woman, who seemed like an angel, went out during the evening, was desperate and got drunk, then came back home and saw her lover, a black male, standing on the bed, image evoking the idea of wild eroticism. Irony, framing a keen mind, is another feature of the artist, also impressed in his latest work in the realm of jewelry, a series of fun sterling silver and rhodinated sterling silver rings (some of them embody the word “LA Zombie”, being the title of a movie he made”), arising from the teaming with the designer Jonathan Johnson. It’s picturesque the Bruce’s universe, peopled by many signs talking about freedom.

OSCENITÀ & RIVOLUZIONE: MODA, FOTOGRAFIA, DESIGN OLFATTIVO, GIOIELLI & LE ALTRE MERAVIGLIE DI BRUCE LABRUCE

Bruce LaBruce, brillante regista, fotografo e scrittore canadese che si avvale del queercore, un’ estetica non convenzionale, la quale critica la contemporaneità, è portatrice di idee libertine e libertarie, trasformate in pellicole quali il celebre cult-movie “The Raspberry Reich” (la parola “Reich” è un chiaro riferimento allo psichiatra e filosofo Wilhelm Reich), in cui appare lo slogan “The revolution is my boyfriend”( “La rivoluzione è il mio ragazzo”). Ciò è divenuto un libro, “The Revolution is my boyfriend: The Raspberry Reich and the Subversive Power of Political Porn”, che racchiude il suo vibrante pensiero come anche moda ovvero una collezione di t-shirt realizzate in collaborazione con Poppsychic, comprensiva di alcuni degli imperativi categorici che ci sono in questo film come “Join the homosexual intifada”(“Unitevi alla intifada omosessuale”). L’ irrefrenabile creatività di Bruce sia è anche sperimentata nel design olfattivo, dando vita insieme al naso Kim Weissange al profumo “Obscenity by Bruce LaBruce”, fragranza che è stata presentata durante le mostre, tenutesi tempo fa a Madrid presso la galleria La Fresh gallery ed a New York presso la galleria The Hole gallery, incentrate sul tema di sacro e profano, naturalmente reinterpretato nel suo modo unico, che enfatizza suggestioni fetish, visioni grottesche e include anche una meravigliosa immagine dell’ iconica attrice Rossy de Palma. Il packaging del profumo, disponibile in due edizioni, gold e silver, è di per sé un’ opera suggestiva, disegnata da Jonathan Johnson, raffigura una donna nuda inginocchiata sulla parte superiore della bottiglia e una goccia che cade giù. Il bouquet del “profumo è associato” – come dice Bruce – “ai rituali del mondo occulto e della religione (vetiver, labdano e oud) unitamente ad altri aromi che sono considerate afrodisiaci” come il patchouli e il sandalo e concretizza felicemente l’ idea di oscenità ( lemma che mi ricorda la poetica di Carmelo Bene, che, prendendo in considerazione il teatro , definiva il “porno”, “l’ osceno” – l’ esser fuori dalla scena, significato derivante dal greco antico – come luogo fisico in cui l’ atto si fa esclusivamente performativo, né metaforico, tantomeno rappresentativo, come avviene nell’ ambito dello sport. È il corpo stesso all’ interno del porno a costituire lo scenario e spazio dell’ azione) o meglio l’ assenza di  conflitto tra il religioso e il sessuale, che dovrebbero essere totalmente complementari”. “La fragranza” – racconta Bruce – “è rivolta alla stimolazione sessuale, ma contiene anche elementi sacri, che probabilmente hanno anche proprietà guaritrici come l’ acqua di Lourdes. Il suo lancio è stato accompagnato da una pubblicità girata dal regista che beffeggiava le pubblicità dei profumi di maistream e parlava di una donna eterea, dalle sembianze angelica, la quale usciva fuori la sera, disperata, si ubriacava, poi, una volta tornata a casa trovava il suo amante, un uomo di colore, a letto, immagine che evoca l’ idea di erotismo selvaggio. L’ ironia, che incornicia una mente acuta, è un’ altro tratto dell’ artista, impresso anche in un suo recente lavoro nell’ ambito dei gioielli, una serie di divertenti anelli d’ argento e argento rodiato( alcuni dei quali incorporano la parola “LA Zombie” che è il titolo di un suo film) che nascono dalla collaborazione con il designer Jonathan Johnson. Un variopinto universo, quello di Bruce, popolato da svariati segni che parlano di libertà.

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Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Bruce LaBruce teaming with Poppsychic

Rossy De Palma, photo by Bruce LaBruce

Rossy De Palma, photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

photo by Bruce LaBruce

Obscenity by Bruce LaBruce

Obscenity by Bruce LaBruce

Obscenity by Bruce LaBruce Silver edition

Obscenity by Bruce LaBruce Silver edition

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson

  www.brucelabruce.com


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DAVID BYRNE AS CURATOR OF THE SOUTHBANK CENTRE MELTDOWN FESTIVAL

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David Byrne

David Byrne

Music, film, literature, theatre and performance will feature in the twenty-second edition of Southbank Centre Meltdown Festival which will be held in London from 17th to 30th August 2015 and will be curated by David Byrne. The genius and eclectic artist – who also created for the Festival in collaboration with the Saison Poetry Library, the “David Byrne’s library”, his reading lounge, a collection of over 250 of his personal books to read and borrow for free for getting an insight into the literary works that have shaped his thoughts and approach to music – will also feature in “We’re gonna die”, the performance of playwright Young Jean Lee who will be on stage – from 17th to 30th August 2015 at the Queen Elisabeth Hall – along with her band, the Future Wife. Another not to be missed happening is the musical-performance project by Bianca Casady (Cocorosie) who will perform on 17th and 18 August 2015 at the Queen Elisabeth Hall along with the band C.I.A and the dancer Biño Sauitzvy, with whom she has collaborated on several theatre pieces and many exhibitions. A smashing series of shows that include the live concert of the brilliant Anna Calvi(22nd August 2015) and many other artists, as Carmen Consoli( 21st August 2015) who is the only Italian artist featuring in the event.

DAVID BYRNE NELLE VESTI DI CURATORE DEL MELTDOWN FESTIVAL DEL SOUTHBANK CENTRE

Bianca Casady

Bianca Casady

Musica, cinema, letteratura, teatro e performance saranno i protagonisti della ventiduesima edizione del Meltdown Festival del Southbank Centre che si terrà a Londra dal 17 al 30 agosto 2015 e sarà curato da David Byrne. Il geniale ed eclettico artista – che ha anche creato per il Festival in collaborazione con la Saison Poetry Library, la “David Byrne’s library”, la sua sala di lettura, una collezione di più di 250 dei suoi libri da leggere e avere in prestito gratuitamente per conoscere le opere letterarie che hanno dato forma alle sue idee ed al suo approccio alla musica – sarà protagonista di “We’re gonna die”, la performance della commediografa Young Jean Lee che si esibirà – dal 17 al 30 agosto 2015 presso la Queen Elisabeth Hall – insieme alla sua band, i Future Wife. Un altro evento imperdibile sarà il progetto di musical-performance di Bianca Casady (Cocorosie) che si esibirà il 17 e 18 agosto 2015 alla Queen Elisabeth Hall assieme alla band C.I.A ed al ballerino Biño Sauitzvy, con cui ha già collaborato per diverse pièces e varie mostre. Una formidabile serie di spettacoli che include il concerto della brillante Anna Calvi(22 agosto 2015) e molti altri artisti, tra cui Carmen Consoli( 21 agosto 2015), l’ unica artista italiana protagonista dell’ evento.

Anna Calvi

Anna Calvi

Carmen Consoli

Carmen Consoli

  www.southbankcentre.co.uk


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GENESIS P-ORRIDGE: “CAITLYN JENNER IS NOT A SPOKERPERSON”

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Genesis P-Orridge

Genesis P-Orridge

Weeks ago I talked about the dignification of trans people into the mainstream culture, considering also Caitlyn Jenner’ s featuring in the cover of Vanity Fair, circumstance I welcomed. I also talked about it with one of the most emblematic artists and intellectuals from the queercore movement, the filmmaker, photographer and author Bruce LaBruce who, instead – though he appreciated my hopeful point of view under the sign of freedom and dignity for all, something going beyond gender, mere cliché on which the conventional thinking and dialectics was built -, was very skeptical, as all happened relying to mainstream’s standards, that set of values or rather non-values that are the core of its culture. Days ago it appeared on Dazed Digital a piece where an iconic and visionary artist, the pandrogynous Genesis P-Orridge – front-man of Throbbing Gristle and Psychic TV, being part of the aristocracy of underground and he is one of the father of industrial music -, explained why Caitlyn Jenner cannot be a spokerperson. This article I am pleased to share embodies some relevant issues concerning the gender identity as well as a consciousness, arising from the vibrant Genesis’ thought: “binary systems are the critical problem, the either/or, the black/white, gay/straight, Christian/Muslim, you name it. Maybe the problem is that we haven’t evolved into a unified being; not male or female but both. The human body is not the person. Identity is the way the brain operates; it’s memories, it’s sensory input and output. The mind is the person”.

“When Caitlyn Jenner had the most glamorous coming-out moment of all time via the cover ofVanity Fair, it marked a historical moment for many reasons. Not only did it catapult trans awareness to the mainstream, but it also displayed a huge amount of courage, and set an example of inclusivity in a world still blighted by transphobia.

However, as many rightly pointed out, Caitlyn’s experience as a rich, white American trans person is radically different to the experience of trans people without her celebrity status and situation, particularly trans people of colour from low-income backgrounds, who are much more likely to experience violence and hate crimes based on their identity.

In an hour-long podcast discussion with Against Me!’s Laura Jane Grace, pandrodgynous musician, avant-garde artist and Throbbing Gristle icon Genesis Breyer P-Orridge echoed the idea that Caitlyn Jenner should be careful about referring to herself as a spokesperson for the wider trans community.

“Apparently Caitlyn is already saying things like, ‘It’s so difficult being a woman and having to decide which designer gown to wear when you go out at night’… That’s not being a woman, that’s being a glamorous Hollywood figure and that’s not how it is for most people. There are lots of teenage kids on the streets of New York who are hustling and risking Aids because they need to get money to transition, and they’re prepared to risk their lives because it’s such a deep need, and they don’t have that back-up system.”

“We’re not saying Caitlyn isn’t courageous in terms of the personal experience, but the way it’s being presented by the media could end up being really, really damaging. We actually saw one thing on the news and Caitlyn’s going, ‘I feel like I can be a spokesperson for the transgendered community.’ And later on she says, ‘I actually don’t know any transsexuals.’ What the fuck, she’s going to be spokesperson? She hasn’t got a clue! She’s been living in her own bubble with her own issues, dealing with them, but she doesn’t understand what it’s like for the ladyboys in Bangkok, or the transsexuals in Japan or people in Russia. She doesn’t know! Stop being a spokesperson.”

Genesis, who transitioned in 1993 to become pandrogynous, or non-gender specific, then shared their own perspective on gender identity. “Binary systems are the critical problem, the either/or, the black/white, gay/straight, Christian/Muslim, you name it. Maybe the problem is that we haven’t evolved into a unified being; not male or female but both. The human body is not the person. Identity is the way the brain operates; it’s memories, it’s sensory input and output. The mind is the person.

GENESIS P-ORRIDGE: “CAITLYN JENNER NON É UNA PORTAVOCE”

Caitlin Jenner, photo by Annie Leibovitz

Caitlyn Jenner, photo by Annie Leibovitz

Tempo fa ho parlato della dignificazione dei trans all’ interno della cultura di mainstream, prendendo in considerazione anche l’ apparizione di Caitlyn Jenner sulle copertine di Vanity Fair, circostanza da me accolta con plauso. Ne ho pure parlato con uno degli artisti e intellettuali più emblematici del movimento queercore, il regista, fotografo e scrittore Bruce LaBruce che invece – pur apprezzando il mio punto di vista, pieno di speranza e all’ insegna della libertà e dignità di tutti, qualcosa che va ben oltre il gender, mero cliché su cui si è strutturato il pensiero e la dialettica convenzionale – era molto scettico, poiché tutto accadeva in base ai crismi del mainstream quella serie di valori o meglio disvalori su cui si basa la sua cultura. Giorni fa è apparso su Dazed Digital uno scritto in cui un iconico e visionario artista, il pandrogino Genesis P-Orridge – leader dei Throbbing Gristle e degli Psychic TV, che fa parte dell’ aristocrazia dell’ underground ed è uno dei padri della musica industrial -, ha spiegato le ragioni per cui Caitlyn Jenner non possa essere una portavoce. Questo articolo, che sono lieta di condividere, racchiude alcune rilevanti questioni inerenti l’ identità di genere e anche una consapevolezza che nasce dal vibrante pensiero di Genesis: “i sistemi binari sono il problema critico, l’ uno/l’ altro, il nero/ bianco, il gay/eterosessuale, il cristiano/musulmano come si vogliano chiamare. Forse la questione è che non ci siamo evoluti in un essere unito, che non è né maschile, né femminile, ma è ambedue. Il corpo umano non è la persona. L’ identità è il modo in cui il cervello opera, è fatta di ricordi, è input ed output sensoriale. La mente è la persona”.

“Quando Caitlyn Jenner ha avuto il momento di coming-out più glamour di tutti i tempi per effetto della copertina su Vanity Fair, ciò ha rappresentato un momento storico per molteplici ragioni. Non ha soltanto catapultato la coscienza trans nel mainstream, ma ha anche mostrato una enorme dose di coraggio, e stabilito un’ esempio di inclusività in un mondo che è ancora segnato dalla transfobia.

In ogni caso, come molti hanno giustamente osservato, l’ esperienza di Caitlyn da trans americana, ricca, bianca è del tutto diversa dall’ esperienza dei trans che sono privi del suo stato di celebrità e della sua occupazione, in particolare i trans di colore provenienti da contesti a basso reddito, che presumibilmente sperimentano molto di più la violenza e i reati di odio che si basano sulla loro identità.

Nel podcast di una conversazione di un’ ora con Laura Jane Grace di Against Me! , il musicista pandrogino, artista d’ avanguardia ed icona dei Throbbing Gristle Genesis Breyer P-Orridge ha ribadito che Caitlyn Jenner dovrebbe fare attenzione a descriversi come una portavoce per la più grande comunità trans.

“Apparentemente Caitlyn sta già dicendo cose come, ‘è così difficile essere una donna e dovere decider quale abito da sera di quale designer indossare per uscire la sera’… Questo non è essere una donna, è essere un personaggio hollywoodiano glamour e ciò non è così per molte persone. Ci sono un sacco di teenager sulle strade di New York che si prostituiscono e rischiano l’ Aids perché hanno bisogno di avere soldi per il processo di transizione, e sono pronti a rischiare le loro vite perché il loro è un bisogno talmente profondo, e sono privi di quel sistema di back-up.”

“Non stiamo affermando che Caitlyn non sia coraggiosa in termini di esperienza personale, ma il modo in cui ciò è presentato dai mass-media potrebbe essere davvero, notevolmente dannoso. Attualmente abbiamo visto una cosa nelle cronaca e  l’ uscita di Caitlyn, ‘sento di poter essere un portavoce per la comunità transgender.’ E dopo afferma, ‘in verità non conosco alcun transessuale.’ E che cazzo, sta per diventare un portavoce?  Ne ha la benché minima idea! Sta vivendo nella sua bolla con le sue problematiche, che affronta, ma non comprende quello che passano i ladyboys a Bangkok, o i transessuali in Giappone oppure la gente in Russia. Non lo sa! Smettila di essere un portavoce.

Genesis, che nel 1993 ha effettuato il processo di transizione per diventare pandrogino o non-gender specific, ha poi condiviso il suo punto di vista sull’ identità di gender. “ I sistemi binari sono il problema critico, l’ uno/l’ altro, il nero/ bianco, il gay/eterosessuale, il cristiano/musulmano come si vogliano chiamare. Forse la questione è che non ci siamo evoluti in un essere unito, che non è né maschile, né femminile, ma è ambedue. Il corpo umano non è la persona. L’ identità è il modo in cui il cervello opera, è fatta di ricordi, è input ed output sensoriale. La mente è la persona.

www.dazeddigital.com


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PENNY ARCADE WINS THE 2015 EDITION OF EDINBURGH FRINGE FESTIVAL OF PERFORMATIVE ARTS

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Penny Arcade ft. in WOW 24/7

Penny Arcade ft. in WOW 24/7

I am pleased to share the article featured in WOW24/7 announcing The Scotsman’s first award given to the legendary New York artist Penny Arcade during the 2015 edition of renowned Edinburgh Fringe Festival of the Performative Arts for her work “Longing lasts longer”( show set up at the London Soho theatre). I could say a lot of things about this great artist of whose creative embodies a subversive vision under the sign of freedom, social commitment and genuineness as well as her rush against the gentrification, that process of cultural decline and flattening of the though which is today increased through the web. There would be much more to tell about this priestess of performative arts, but I prefer to make use of the words of the Scotsman’s theatre critic Joyce McMillan who awarded her:

“There’s no defining Penny Arcade. When she climbs on stage to perform her latest one hour show – wearing a dark blue figure-hugging dress, high heels, and a huge slash of red lipstick – the 65-year-old New York underground diva makes it clear in the first minute or so that this is not theatre, nor stand-up comedy, nor even performance art; it is, she says, something else, a rap or maybe a rant, about a few things that have happened to the human mind during her lifetime.

Penny Arcade’s thesis – presented at high speed and accompanied by a thundering mix-tape of musical cues from Arcade’s underground past – is that everyone under about 40 today is a victim of a huge psychological and marketing experiment, in which everyone is permanently wired to the internet, and constantly targeted by various subtle and not-so-subtle forms of advertising and data-mining. Her own age-group, by contrast, she sees as a control group, who grew up and experienced their rebellious youth before these ever-more-complex technologies for invading the mind were in place.

Like any exasperated old hippy, she roars out her scorn for a younger generation who no longer rebel, who seem to want to be like their parents; yet there’s a wildness, a passionate dystopian poetry, in her view of the society in which we now live that is somehow anything but commonplace. It’s not that she is nostalgic for the past, she insists; nostalgia is a cosy and disempowering emotion. It’s that she longs for it – for the freedom that she and her generation enjoyed, in the kind of unwatched urban space that no longer exists.

And as she says, longing lasts longer than any puny feelings of nostalgia or love; long enough, maybe, to power the kind of struggle that might begin to bring that freedom back”.

PENNY ARCADE VINCE L’ EDIZIONE 2015 DEL FRINGE FESTIVAL DELLE ARTI PERFORMATIVE DI EDINBURGO

Penny Arcade

Penny Arcade

Mi rallegra condividere l’ articolo apparso su WOW24/7 che annuncia il primo premio dello Scotsman) di cui è stata insignita la leggendaria artista newyorkese Penny Arcade in occasione dell’ edizione 2015 del rinomato Fringe Festival delle Arti Performative di Edinburgo per il suo lavoro “Longing lasts longer”( show allestito a Londra presso il Soho Theatre). Potrei dire tante cose su questa artista straordinaria il cui iter creativo racchiude una visione sovversiva all’ insegna di libertà, impegno sociale e autenticità come anche il suo impeto contro la populizzazione, quel processo di declino culturale e appiattimento del pensiero incentivato attraverso il web. Ci sarebbe molto altro da raccontare su questa sacerdotessa delle arti performative, preferisco però avvalermi delle parole del critico teatrale dello Scotsman Joyce McMillan che l’ ha premiata:

“Non c’è alcun modo per definire Penny Arcade. Quando sale sul palcoscenico per eseguire il suo ultimo spettacolo di un’ ora – indossando un abito blu scuro che abbraccia la figura, tacchi alti, e un grande strato di rossetto rosso – la sessantacinquenne diva underground newyorkese chiarisce dal sin primo minuto che quello, il suo, non è teatro, né uno spettacolo comico, neppure performance art; è, dice, qualcos’ altro, una chiacchierata o forse un’ invettiva su un paio di cose che sono accadute alla mente umana durante la sua vita.

La teoria di Penny Arcade – esposta ad alta velocità ed accompagnata da un mix di nastri di accenni musicali provenienti dal passato underground della Arcade – è che tutti coloro che sono sotto i 40 anni oggi sono vittime di un gigantesco esperimento psicologico e di marketing, in cui ognuno è continuativamente collegato a internet, e costantemente bersagliato da vari, sottili e meno sottili forme di pubblicità ed estrazione di dati. Il gruppo della sua età, diversamente, lo considera un gruppo di controllo, che è cresciuto ed ha sperimentato la sua ribellione giovanile prima che queste quanto mai più complesse tecnologie per invadere la mente fossero disponibili.

Penny Arcade and Steve Zehentner, photo courtesy of Earl Dax

Penny Arcade and Steve Zehentner, photo courtesy of Earl Dax

Come una vecchia hippy spazientita, urla il suo sdegno verso una generazione più giovane che non è più ribelle, che sembra voler essere come i loro genitori, ; pur essendoci una sfrenatezza, un’appassionata poesia distopica, nella sua visione della società in cui adesso viviamo che è in qualche modo qualsiasi cosa tranne che un luogo comune. La sua non è mera nostalgia per il passato, insiste, la nostalgia è un emozione accogliente e deresponsabilizzante. È il volere ardentemente ciò – la libertà di cui hanno goduto lei e la sua generazione, all’ interno di uno spazio urbano non sorvegliato che non esiste più. .

E come dice il desiderio dura più a lungo di tutti quei deboli sentimenti di nostalgia o amore, dura abbastanza forse, per alimentare una sorta di lotta che potrebbe cominciare a riportare la libertà”.

A sweet memory, me, myself & I along with Penny Arcade

A sweet memory, me, myself & I along  with Penny Arcade

 

 

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www.penny-arcade.com

 


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THE GEOGRAPHIES OF DESIRE: THE BOOK LAUNCH OF “DESIDERARE INVANO. IL MITO DI FAUST IN GOETHE E ALTROVE”( “TO DESIRE IN VAIN. THE MYTH OF FAUST IN GOETHE AND ELSEWHERE”) BY FRANCESCO ROAT AT THE ROME ASEQ BOOKSHOP

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Edoardo Quarantelli introducing Francesco Roat at the Rome Aseq bookshop, photo by N

Edoardo Quarantelli introducing Francesco Roat at the Rome Aseq bookshop, photo by N

Desire, word defining – as it is evidences the Treccani Italian dictionary – “the intense feeling which pushes to look for the fulfillment of all that can satisfy a physical and spiritual need”, as well as the one of “lack of a thing being necessary to one’s own physical and spiritual interest”. It’s interesting to think about the etymology of this word which, considering the Etymological Dictionary of Italian Language (DELI) stands, as “to stop contemplating the stars for an augural purpose”. That, as the philosopher Umberto Galimberti says, refers to the “De Bello Gallico” by Gaius Iulius Caesar: the desiderantes (or the ones who desired) were the soldiers who were under the stars to wait for the ones who still didn’t come back after they fought during the day. It arises from that the meaning of the verb to desire: to stand under the star and wait. This meaning refers to an idea of communion of the man with universe, a dimension ruled by natural laws (also reminding me the quote by Immanuel Kant: “the starry sky above me and the moral law within me”) and at first seems it is not pertaining to the geographies of desire, its contorted paths, atavistic theme which is the quintessence of human condition, draws the ontology of individual and is bringer of many inputs and suggestions connected to contemporary times, phenomenon as the mass narcissism and hyper-hedonism of society, promoted and emphasized by the mainstream culture. It almost sounds like a hiatus, but it is not like that, considering these words are said by someone – the one who writes – who often spends a lot of them to draw the contemporary creativity – oriented to the kalokagathia, or to celebrate the beautiful and the good – embodied in fashion and its product, which doesn’t exist, gets any success if it isn’t sold. And this moment, the moment of sale is strictly linked to another moment, the presentation and communication of fashion, its product, which has the purpose to create an emotion, to light a fire, desire, rush to enter and belong to the universe depicted by that product and its consumption (in fact it often talks about the lifestyle products or those products drawing a certain lifestyle) These mainly sociological suggestions are the contextualization into a narrower and more specific theme or fashion, source of culture and commodities category, of a wider subject, brightly told by author and literary critic Francesco Roat in the book he wrote “Desiderare invano. Il mito di Faust in Goethe e altrove”( “To desire in vain. The mith of Faust in Goethe and elsewhere”, Moretti & Vitali, Euros 14,00) which has recently launched in Rome at the Aseq bookshop, (wonderful place to discover, where to stay and come back, of whose soul is tangible, a genuine cathedral of knowledge, created about forty years ago by Edoardo Quarantelli and Luca Nerazzini).

 “Desiderare invano. Il mito di Faust in Goethe e altrove”( “To desire in vain. The mith of Faust in Goethe and elsewhere”) by Francesco Roat, photo by N

“Desiderare invano. Il mito di Faust in Goethe e altrove”( “To desire in vain. The mith of Faust in Goethe and elsewhere”) by Francesco Roat, photo by N

I was pleased during this circumstance of meeting and facing before and during the event with the author of this book. Francesco was very generous with me and the audience which was at the book launch, of whose title refers to the legendary doctor Faust, the man, doctor and necromancer who lived in the late Middle Age and sold his soul to the devil to get in exchange for supernatural powers, being the personification of the excess of desire. I like reminding the play by Marlowe “The tragical history of Doctor Faustus”, though the literary revisitations of the persona are many, the one by Goethe is the most touching and human, a masterpiece of Romantic literature. A myth, the one of Faust, – as Burckhardt asserted -, “a primordial image into whose every human being can/must catch its own essence and destiny”. André Neher thinks this image represents the myth of modern man as well as Aldo Carotenuto, one of the most relevant persona of the Junghism, is oriented in the same sense, thinking it needs “consider Faust as a mythical image of collective unconscious which will embody time to time in the structure of contemporary man, having his features, absorbing his dramas and fears, thus turning into the most amazing archetype of modernity”. A man who wants having all and is punished because he wanted having all. This seems like the big drama of Faust, but it’s not like that. The myth depicts the human desire of totality, emancipating, as Roat clarifies in a clear, persuasive and intelligible way, “from divine/dogmatic rules, the urge of knowing/exploring reality in its deep cockles of the heart, being free from any ethical/religious boundaries, then the self-righteousness of tending in an overwhelming/obsessive way to go beyond any human limit” ( idea recalling the Übermensch, Superman by Nietzsche, enlivened by the will to power). Faust is also “the non-conformist who wants savoring any delight, satisfying any instinct or longing”. That – the author says – “represents an useful reading key of the post-late modern Western man who, is willing to the disenchantment and is disappointed by any ideological credo, seems more wrapped in his closing which is under the sign of a narcissism, tending to the reification of the other from self and is involved in an eternal desiring tension/fibrillation”, if he doesn’t falls in the depressive stasis, a tedium vitae (boredom of life) which lacks passions or worst a deadly nihilism of an individual who is disaffected, slothful and indifferent to the “you” and God, as well as to his own ego”.

A memory from over a decades ago, me, myself and I in Staufen (the town of Frederick II), at the roadhouse where the legend tells Faust sold his soul to Mephistopheles, photo by Diana Illing

A memory from over a decade ago, me, myself and I in Staufen (the town of Frederick II), at the  roadhouse where the legend tells Faust sold his soul to Mephistopheles, photo by Diana Illing

Youth, love, money, power are the gifts given by Mephistopheles to Faust, desires that also enliven the contemporary times, one of all, the desire of extending one’s own life, because the drama of individual, as the writer asserts, arises from the finitude of human condition, the consciousness of having a start and an end or to die, instead of the animals that aren’t conscious of their own death, but they are just only conscious of the other animals’ death. Instead that, it’s a fact, a reality before or after we face with that or rather with the death, should be a mere invite to live joyfully, reconciled with our soul and the world surrounding us during this short life, without repressing or annihilating the desire, being a human quality and propulsive motion of life and its dynamism, connecting it to the principle of reality, freeing it from the illusions or the desiring in vain – with the surrenders which it implies behind the principle of pleasure – where sensitivity and reason is one next to the other and invites the individual to its crossing”. “To contemplate the sky and the order of universe – and tend at the same time to elevate ourselves for the time we have – means to make ours a vision of life which pays less attention to the death as law of the life, means to become conscious of the impossibility of any absolute, eternal delight. It means to endorse the light and dark contrasts of a lasting shadiness”. This is the core, the invite and lesson arising from the reading of this book – precious pearl of wisdom to think about and rethink about oneself – and the myth of Faust who is not punished by God, who distances at the moment of death his soul from Mephistopheles and makes him ascend in the sky, because “errs the man until he looks for”, thus God asserted in the Prologue in the sky included in the beginning of Faust. Therefore God is indulgent towards who – like Faust – “made the overwhelming and never satisfied rush towards the fullness of life, absolute, knowledge or the otherness/ulteriority going beyond all that is ordinary, finished and known, his own reason to live.

 

LE GEOGRAFIE DEL DESIDERIO: LA PRESENTAZIONE DI “DESIDERARE INVANO. IL MITO DI FAUST IN GOETHE E ALTROVE” DI FRANCESCO ROAT ALLA LIBRERIA ASEQ DI ROMA

Edoardo Quarantelli and Francesco Roat at the Rome Aseq bookshop, photo by N

Edoardo Quarantelli and Francesco Roat at the Rome Aseq bookshop, photo by N

Il desiderio, lemma che definisce – come evidenzia il dizionario della lingua italiana Treccani – l’ “intenso sentimento che spinge a cercare l’ attuazione di quanto possa appagare un bisogno fisico e spirituale”, come anche quello della “mancanza di cosa necessaria al proprio interesse fisico e spirituale”. È interessante riflettere sull’ etimologia di questa parola che per il Dizionario Etimologico della Lingua Italiana (DELI) equivale a “cessare di contemplare le stelle a scopo augurale”. Ciò, come afferma il filosofo Umberto Galimberti, rimanda al “De Bello Gallico” di Caio Giulio Cesare: i desiderantes (ovvero coloro che desideravano) erano i soldati che stavano sotto le stelle ad aspettare quelli che dopo aver combattuto durante il giorno non erano ancora tornati. Da qui deriva il significato del verbo desiderare: stare sotto le stelle ed attendere. Tale significato fa riferimento a un concetto di comunione dell’ uomo con l’ universo, a una dimensione regolata da leggi di natura (mi richiama alla mente anche l’ aforisma di Immanuel Kant: “il cielo stellato sopra di me, la legge morale dentro me”) e sembra prima facie non essere del tutto pertinente con le geografie del desiderio, le sue tortuose vie, tema atavico che è la quintessenza della condizione umana, disegna l’ ontologia dell’ individuo ed è foriero di plurimi spunti e riflessioni connesse alla contemporaneità, a fenomeni quali il narcisismo di massa e l’ iperedonismo della società, promosso ed enfatizzato dalla cultura di mainstream. Sembra quasi uno iato e non lo è, che queste parole provengano da chi – colei che scrive – sovente ne spende tante per disegnare la creatività contemporanea – orientata alla kalokagathia, ovvero a celebrare il bello e il buono -, racchiusa nella moda e nel suo prodotto, che non esiste, non riscuote alcun consenso ove non sia venduto. E questo momento, quello della vendita è strettamente legato a un altro momento, quello della presentazione e comunicazione della moda, del suo prodotto, finalizzato a creare un’ emozione, accendere un fuoco, desiderio, moto, per entrare e appartenere all’ universo dipinto da quel prodotto e dal suo consumo (spesso si parla infatti di prodotti di lifestyle ovvero quei prodotti che disegnano un determinato stile di vita). Queste suggestioni eminentemente sociologiche, sono la contestualizzazione in un tema più ristretto e specifico ovvero la moda, fonte di cultura e categoria merceologica, di un discorso molto più ampio, brillantemente affrontato dallo scrittore e critico letterario Francesco Roat nel suo libro “Desiderare invano. Il mito di Faust in Goethe e altrove”(Moretti & Vitali, Euro 14,00) che è stato recentemente presentato a Roma presso la libreria Aseq, (luogo meraviglioso da scoprire, in cui sostare e tornare, la cui anima è tangibile, un’ autentica cattedrale del sapere creata circa quaranta anni fa da Edoardo Quarantelli e Luca Nerazzini).

The Staufen roadhouse where the legend tells Faust sold his soul to Mephistopheles, into that room which is now wrapped by the leaves of a tree, photo by N

The Staufen roadhouse where the legend tells Faust sold his soul to Mephistopheles, into that room (n. 5) which is now wrapped by the leaves of a tree, photo by N

In questa occasione mi ha rallegrato incontrare e confrontarmi prima e durante l’ evento con l’ autore di questo libro. Francesco è stato molto generoso con me e con il pubblico che ha presenziato alla presentazione del libro, il cui titolo rimanda al leggendario dottor Faust, l’ uomo, medico e negromante che è vissuto nel tardo Medioevo e ha venduto la sua anima al diavolo in cambio di poteri soprannaturali, personificazione dell’ eccesso del desiderio. Mi piace ricordare il dramma di Marlowe “La storia tragica del dottor Faust” (“The tragical history of Doctor Faustus”), pur essendo plurime le rivisitazioni letterarie del personaggio, quella di Goethe resta però la più struggente e umana, un capolavoro della letteratura romantica. Un mito, quello di Faust, – come affermava Burckhardt -, “un’ immagine primordiale nella quale ogni essere umano può/deve saper cogliere la sua essenza e il suo destino”. Secondo André Neher tale immagine rappresenta il mito dell’ uomo moderno e anche Aldo Carotenuto, uno dei personaggi più rappresentativi dello junghismo, si orienta nel medesimo senso, ritenendo che sia opportuno “considerare quella di Faust come un’ immagine mitica dell’ inconscio collettivo che si incarnerà, di volta in volta nella struttura dell’ uomo contemporaneo, assumendone le sembianze, assorbendone i drammi e le inquietudini, trasformandosi così nel più stupefacente archetipo della modernità”. Un uomo che vuole avere tutto ed è punito perché voleva avere tutto. Questo sembrerebbe il grande dramma di Faust, ma non è così. Il mito dipinge il desiderio umano di totalità, di affrancarsi, come illustra Roat in modo chiaro, persuasivo e intellegibile, “da decreti divini/dogmatici, l’ urgenza di conoscere/esplorare la realtà nei suoi più intimi recessi, senza vincoli etici/religiosi di alcun genere, infine la tracotanza di tendere in modo inesausto/ossessivo a superare ogni limite dell’ umano”(idea che richiama l’ Übermensch, il Superuomo di Nietzsche, animato dalla volontà di potenza). Faust è anche “l’ anticonformista che vuole ogni piacere delibare, ogni istinto o voglia appagare”. Ciò – prosegue l’ autore – “rappresenta una utile chiave di lettura dell’ uomo occidentale post/tardo moderno che, incline al disincanto e deluso da ogni credo ideologico, appare sempre più individualista: monade imbozzolata nella sua chiusura all’ insegna di un narcisismo tendente alla reificazione dell’ altro da sé e tutto preso da una perenne tensione/fibrillazione desiderante”, ove non scivoli nella stasi depressiva, in un tedium vitae privo di passioni o peggio ancora in un nichilismo mortifero di un soggetto disamorato, ignavo e indifferente non solo al tu e a Dio, ma anche al proprio io”.

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A memory impressed in the wall of Staufen Zum Löwen roadhouse telling about the deal between Faust and Mephistopheles

Giovinezza, amore, denaro, potere, questi i doni concessi da Mefistofele a Faust, desideri che animano anche la contemporaneità, uno tra tutti, il desiderio di prolungare la propria vita, poiché il dramma dell’ individuo, come afferma lo scrittore, nasce dalla finitudine della condizione umana, la consapevolezza di avere un inizio e una fine ovvero di morire, diversamente dagli animali, che non hanno consapevolezza della propria morte, ma soltanto di quella altrui. Ciò, un fatto, una realtà con cui tutti prima o dopo ci confrontiamo ovvero con la morte, dovrebbe essere invece un monito a vivere con gioia, pacificati con il nostro animo e con il mondo che ci circonda in questa breve vita, senza reprimere o annichilire il desiderio, prerogativa umana e moto propulsore della vita e del suo dinamismo, ma ancorandolo al principio di realtà, emancipandolo dalle illusioni ovvero dal desiderare invano – con le rinunce rispetto al principio del piacere che esso implica -, in cui “sensibilità e ragione restano l’ una a fianco dell’ altra e invitano l’ individuo al suo superamento”. “Contemplare il cielo e l’ ordine dell’ universo – e in pari tempo tendere a sollevarci per il tempo che ci è concesso – vuol dire abbracciare una visione della vita che sposti l’ accento sulla morte come legge di vita; vuol dire prendere consapevolezza dell’ impossibilità di ogni assoluto, eterno piacere. Vuol dire abbracciare i chiaroscuri di una persistente umbratilità”. Questo il cuore, il monito e insegnamento che si trae dalla lettura di questo libro – preziosa perla di saggezza per pensare e ripensarsi – e dal mito di Faust che non è punito da Dio, il quale sottrae al momento della morte la sua anima a Mefistofele e lo fa ascendere al cielo, poiché nonostante tutto “erra l’ uomo finché cerca”, affermava il Signore nel Prologo in cielo all’ inizio del Faust. E Dio pertanto è indulgente verso chi – come Faust – “ha fatto della tensione inesausta e mai paga verso la pienezza vitale, l’ assoluto, la conoscenza o in altri termini verso l’ alterità/ulteriorità rispetto a tutto quanto è ordinario, finito e noto la propria ragione di vita”.

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Me, myself and I along with Edoardo Quarantelli and his wife at the Rome Aseq bookshop, photo by Giorgio Miserendino

 

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COUNTER-CULTURE WALKING: NACO PARIS FEATURING IN L’ OFFICIEL SPAIN MARCH 2016 ISSUE

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Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

The brilliant fashion designer Naco Paris and the creations he made features along with the model Sophia Linnenwedel in a smashing editorial by Laura Marie Cieplik on high fashion, appearing in the L’ Officiel Spain March 2016 issue.

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

The awesome creative of whose work is focused on counter-culture as only way to find a balance, has made of punk suggestions and a dada attitude emphasized by slogans as “no rules: only Creation!”, as well as “No God, No master!“. That is the name of Spring/Summer 2016 collection by Naco Paris, combining the two lines, Naco Paris and Art is Resistance”, his famous slogan which turned into an unisex line under the sign of ethical fabrication process, recycled elements, eco-friendly materials and artists collaborations, enriched by accessories as the shoes made by teaming with Nature shoes and a bag exclusively created to help the refugees situation in Europe(of whose 25% of proceeds resulting from the sale of this bag will be given to the association “Calais Migrant Solidarity” to help refugees life conditions).

LA CONTROCULTURA CHE CAMMINA: NACO PARIS PROTAGONISTA DELL’ EDIZIONE DI MARZO 2016 DELL’ OFFICIEL SPAIN

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Il brillante fashion designer Naco Paris e le sue creazioni sono protagonisti insieme alla modella Sophia Linnenwedel di un formidabile editoriale di Laura Marie Cieplik sull’ alta moda che appare nell’ edizione di marzo 2016 di L’ Officiel Spain.

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Il fantastico creativo la cui opera è incentrata sulla controcultura quale unico modo per trovare un equilibrio, è fatta di suggestioni punk e un’ attitudine dada enfatizzata da slogan quali “no rules: only Creation!”, come anche “No God, No master!“. Questo è il nome della collezione primavera/estate 2016 di Naco Paris, che unisce le due linee, Naco Paris ed Art is Resistance”, il suo famoso slogan trasformato in una linea unisex all’ insegna di un processo produttivo ethical, elementi di riciclo, materiali eco-friendly e collaborazioni artistiche che si arricchiscono di accessori come le calzature, realizzate in collaborazione con Nature shoes e una borsa creata esclusivamente per aiutare la situazione dei rifugiati in Europa ( il cui 25% dei profitti derivanti dalla vendita di questa borsa sarà donato all’ associazione “Calais Migrant Solidarity” per aiutare le condizioni di vita dei rifugiati).

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

 

Naco Paris, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris, photo by Laura Marie Cieplik

 

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

 

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

 

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

Naco Paris and Sophia Linnenwedel, photo by Laura Marie Cieplik

 

 

 

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LEIGH BOWERY: ALWAYS & FOREVER

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Leigh Bowery, photo by Ole Christiansen

Leigh Bowery, photo by Ole Christiansen

26th March would have been the birthday of Leigh Bowery (who passed away in 1994), genius and legendary Australian performer artist, club promoter, actor, pop star, model, and fashion designer (also for the Michael Clark Dance Company), based in London and was part of London Blitz Kids, New York City Michael Alig’s Club Kids and founder along with Boy George in 1985 of Taboo Club during the times of new-romantic movement. Today I remember him who is considered one of the more influential figures in the 1980s and 1990s London and New York City art and fashion circles, influencing a generation of artists and designers. His influence reached through the fashion, club and art worlds to impact, amongst others, Meadham Kirchhoff, Alexander McQueen, Lucian Freud, Vivienne Westwood, Boy George, Antony and the Johnsons, John Galliano, Gareth Pugh, Rick Owens, the Scissor Sisters, David LaChapelle, Lady Bunny along with many bands and nightclubs in London and New York City which arguably perpetuated his avant-garde ideas featuring the grotesque as non-conventional standard of beauty. Many are the books, documentary films, exhibitions and the permanent collections at Museums that celebrate his sign, that visionary attitude going beyond time and energy I love and pay homage always and forever.

LEIGH BOWERY: SEMPRE & PER SEMPRE

Leigh Bowery, photo by Nick Knight

Leigh Bowery, photo by Nick Knight

Il 26 marzo sarebbe stato il compleanno di Leigh Bowery (venuto a mancare nel 1994), geniale e leggendario performer artist australiano, club promoter, attore, pop star, modello e fashion designer(anche per la Michael Clark Dance Company) che ha vissuto a Londra ed ha fatto parte dei Blitz Kids di Londra, dei Club Kids di Michael Alig a New York ed ha fondato con Boy George nel 1985 il famoso locale Taboo ai tempi del movimento new-romantic. Oggi ricordo lui che è considerato una delle figure più emblematiche, avendo influenzato una generazione di artisti e designer. La sua influenza é giunta attraverso il mondo della moda, dei locali notturni e dell’ arte  per avere impatto, tra gli altri, su Meadham Kirchhoff, Alexander McQueen, Lucian Freud, Vivienne Westwood, Boy George, Antony and the Johnsons, John Galliano, Gareth Pugh, Rick Owens, the Scissor Sisters, David LaChapelle, Lady Bunny unitamente a svariati gruppi e locali notturni a Londra e New York City che presumibilmente hanno perpetrato le sue avveniristiche idee di cui è protagonista il grottesco quale, anticonvenzionale e sovversivo standard di bellezza. Molteplici sono i libri, i documentari, le mostre e le collezioni permanenti nei musei che celebrano il suo segno, quell’ estro visionario oltre il tempo ed energia che amo e a cui rendo omaggio sempre e per sempre.

Leigh Bowery and Lucien Freud working on his portrait

Leigh Bowery and Lucien Freud working on his portrait

 

Leigh Bowery by Lucien Freud, 1991, Tate Modern

Leigh Bowery by Lucien Freud, 1991, Tate Modern

 

Leigh Bowery/Alexander McQueen

Leigh Bowery/Alexander McQueen

 

Alexander McQueen

Alexander McQueen

 

Alexander McQueen

Alexander McQueen

 

Leigh Bowery/ Alexander McQueen

Leigh Bowery/ Alexander McQueen

 

 

Alexander McQueen

Alexander McQueen

 

Leigh Bowery/John Galliano

Leigh Bowery/John Galliano

 

Leigh Bowery/John Galliano

Leigh Bowery/John Galliano

 

John Galliano

John Galliano

 

Leigh Bowery/Jean Paul Gaultier

Leigh Bowery/Jean Paul Gaultier

 

Jean Paul Gaultier

Jean Paul Gaultier

 

Leigh Bowery/Gareth Pugh

Leigh Bowery/Gareth Pugh

 

Gareth Pugh

Gareth Pugh

 

Gareth Pugh

Gareth Pugh

 

Leigh Bowery/Margiela

Leigh Bowery/Margiela

 

Maison Margiela Fall/Winter 2013

Maison Margiela Fall/Winter 2013

 

Martin Margiela

Martin Margiela

 

Margiela

Margiela

 

Leigh Bowery/Michael Clark

Leigh Bowery/Michael Clark

 

 

photo by Sølve Sundsbø

photo by Sølve Sundsbø

 

Boy George

Boy George

 

Boy George and Leigh Bowery at the Taboo

Boy George and Leigh Bowery at the Taboo

 

Beth Ditto

Beth Ditto

 

Leigh Bowery & Nicola Bateman/ Rick Owens Spring/Summer 2016

Leigh Bowery & Nicola Bateman/ Rick Owens Spring/Summer 2016

 

Costume for a female performer designed by Leigh Bowery and made by Mr Pearl for 1987 dance performance, "Because We Must" by Michael Clark Dance Company (Victoria & Albert Museum Collections)

Costume for a female performer designed by Leigh Bowery and made by Mr Pearl for 1987 dance performance, “Because We Must” by Michael Clark Dance Company (Victoria & Albert Museum Collections)

 

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